Nove donne di Alex Katz (nato nel 1927 a New York City, NY) è un cartellone pubblicitario di 240 metri nel cuore di Times Square, il cuore del quartiere dei teatri di New York. Doris C. Freedman, presidente del Public Arts Council, ha commentato che l'opera di Katz "è un eccellente esempio di come gli spazi pubblici possano essere ravvivati e valorizzati attraverso l'integrazione dell'arte nell'ambiente urbano. Il progetto di Alex Katz – una processione di 24 volti di donna – aggiunge un senso di fluidità, leggerezza e spaziosità all'ambiente solitamente congestionato della 42esima Strada e Broadway". L'opera è composta da 23 teste femminili, ciascuna alta 20 metri, che si ergono sul cartellone pubblicitario di 240 metri e sulla torre di 60 metri che incombe sullo sfondo, conferendo la visione distintiva di uno dei principali artisti contemporanei del paese alla via più commerciale d'America.
Agnes Denes (nata nel 1931 a Budapest, Ungheria) e i suoi assistenti piantarono e raccolsero 1.5 acri di grano nella discarica di Battery Park City. La semina consisteva nello scavare a mano 285 solchi, rimuovere pietre e rifiuti, quindi deporre i semi a mano e coprire i solchi. Ogni solco richiedeva dalle due alle tre ore. Denes e i suoi assistenti si occuparono della manutenzione del campo per quattro mesi, installarono un sistema di irrigazione, diserbarono, distribuirono fertilizzanti, rimossero a mano pietre, massi e fili e trattarono contro la muffa. Il 16 agosto 1982, Denes raccolse il raccolto, producendo quasi 1000 chili di grano sano e dorato. Denes descrive il progetto come un "simbolo, un concetto universale. Rappresenta il cibo, l'energia, il commercio, il commercio mondiale, l'economia. Si riferisce alla cattiva gestione e alla fame nel mondo. È un'intrusione nella Cittadella, uno scontro con l'Alta Civiltà. Ma è anche Shangri-La, un piccolo paradiso, l'infanzia, un caldo pomeriggio d'estate in campagna, la pace. Valori dimenticati, piaceri semplici".
Messaggi al pubblico costituiva una parte fondamentale del Public Art FundL'impegno a lungo termine di nei confronti delle opere d'arte basate sui media. Dal 1982 al 1990, la mostra presentava una serie di progetti artistici creati appositamente per lo Spectacolor di Times Square.
Come spiegò Russell Miller del quotidiano dell'Ohio The Toledo Blade nel suo articolo del 19 febbraio 1984, "ogni mese, un artista diverso presenta un'animazione di 30 secondi sul pannello luminoso Spectacolor, una serie di 800 piedi quadrati di 8,000 lampadine rosse, bianche, blu e verdi da 60 watt che dominano il panorama di Times Square. Lo spot viene ripetuto più di 50 volte al giorno per due settimane, inserito in un loop di 20 minuti di spot animati al computer.
Come artista in residenza, David Hammons (nato nel 1943 a Springfield, IL) ha costruito una scultura temporanea intitolata Obiettivi più elevatiL'opera è stata realizzata in loco nel Cadman Plaza Park di Brooklyn nell'arco di otto settimane.
Obiettivi più elevati è costituito da cinque pali del telefono ricoperti di tappi di bottiglia, alti dai 20 ai 30 metri. In cima a ogni palo è montato un tabellone da basket (anch'esso ricoperto di tappi di bottiglia), completo di canestro e rete. In un processo laborioso, Hammons ha inchiodato più di 10,000 tappi di bottiglia sulla superficie di ogni palo per creare caratteristici motivi a rombi, spirali e maglie. Hammons ha spiegato il concetto alla base di Higher Goals con un'analogia con le squadre di basket professionistiche. "Ci vogliono cinque persone per giocare in una squadra, ma ce ne sono migliaia che vogliono giocare: non tutti ce la faranno, ma anche se non ci riescono, almeno ci hanno provato". Questa affermazione è indicativa della convinzione personale di Hammons che le aspirazioni non debbano essere limitate a limiti prefissati e che gli individui dovrebbero porsi obiettivi più alti (ovvero superiori all'altezza standard di 10 metri di una rete da basket).
Spiders di Louise Bourgeois (1911-2010, nata a Parigi, Francia) è stata esposta al Rockefeller Center durante l'estate del 2001. L'opera raffigura un ragno alto 30 piedi, mamma—che significa "mamma" nella lingua nativa francese di Bourgeois—che trasporta un cesto di uova ed è affiancato da due ragni più piccoli. Brian D. Leitch da Il New York Times Magazine ha affermato: "Louise Bourgeois, come la gigantesca scultura della madre-ragno che ha creato diversi anni fa, ha tessuto una rete di opere stranamente magnifiche per più di sei decenni e finalmente, a 90 anni, sta ottenendo il riconoscimento che le spetta".
Public Art Fund, in collaborazione con la città di New York, presentato Le cascate di New York City, una nuova importante opera d'arte pubblica dell'artista di fama internazionale Olafur Eliasson (nato nel 1967 a Copenaghen, Danimarca). La mostra di quattro cascate artificiali di dimensioni monumentali è stata visitabile fino al 13 ottobre 2008 in quattro siti sulle rive del lungomare di New York: una sull'ancoraggio del Ponte di Brooklyn a Brooklyn; una sui Brooklyn Piers, tra i Moli 4 e 5 vicino alla Brooklyn Heights Promenade; una a Lower Manhattan, al Molo 35, a nord del Ponte di Manhattan; e una sulla sponda settentrionale di Governors Island. Le cascate, alte da 27 a 36 metri, installate sulla riva erano in funzione dalle 17:30 alle 21:00 il lunedì e il mercoledì e dalle 12:30 alle 21:00 il martedì e il giovedì fino alla domenica. Erano illuminate dopo il tramonto.
Tatzu Nishi (nato nel 1960 a Nagoya, Giappone) è noto a livello internazionale per le sue opere d'arte temporanee che trasformano la nostra esperienza di monumenti, statue e dettagli architettonici. Le sue installazioni offrono al pubblico un accesso intimo ad aspetti del nostro ambiente urbano e allo stesso tempo ne alterano radicalmente la percezione. Per il suo primo progetto pubblico negli Stati Uniti, Nishi ha scelto di concentrarsi sulla storica statua di Cristoforo Colombo.
La statua in marmo, che si erge per oltre 75 metri in cima a una colonna di granito, fu progettata dallo scultore italiano Gaetano Russo. Fu inaugurata nel 1892 per commemorare il 400° anniversario del primo viaggio di Colombo nelle Americhe. Nonostante la sua posizione pubblica di rilievo, la statua è poco conosciuta, visibile solo come una sagoma contro il cielo o a distanza dagli edifici circostanti.
Il progetto di Nishi reinterpreta la colossale statua di Colombo, alta 13 metri, in un soggiorno moderno e completamente arredato. Con tavoli, sedie, divano, tappeto e TV a schermo piatto, l'arredamento riflette l'interpretazione dell'artista dello stile newyorkese contemporaneo. Ha persino disegnato una carta da parati ispirata ai ricordi della cultura popolare americana, avendo guardato film e programmi televisivi di Hollywood da bambino in Giappone. Alla scoperta di Colombo Offre sia una prospettiva unica su un monumento storico sia un'esperienza surreale della scultura in un contesto inedito. Permettendoci di intraprendere un viaggio su sei rampe di scale fino a un soggiorno immaginario, Tatzu Nishi ci invita a scoprire da soli dove può condurci l'immaginazione.
Ai Weiwei ha concepito questa mostra multimediale multisito per spazi pubblici, monumenti, edifici, punti di trasporto e piattaforme pubblicitarie in tutta New York City. Nel loro insieme, questi elementi costituiscono una risposta appassionata alla crisi migratoria globale e una riflessione sul profondo impulso sociale e politico a dividere le persone le une dalle altre. Per Ai, questi temi hanno radici profonde. Ha vissuto l'esilio con la sua famiglia da bambino, la vita da immigrato e studente d'arte a New York e, più recentemente, la brutale repressione come artista e attivista in Cina. La mostra attinge a molti aspetti della carriera di Ai come artista visivo e architetto, ed è ispirata sia dalla sua esperienza di vita personale che dalla difficile situazione degli sfollati. Nel 2016, Ai e il suo team hanno viaggiato in 23 paesi e in più di 40 campi profughi durante le riprese del suo documentario, Flusso umano.
"Le buone recinzioni fanno buoni vicini" è un proverbio popolare citato nel libro "Mending Wall" del poeta americano Robert Frost, in cui viene messa in discussione la necessità di un muro di confine. Ai ha scelto questo titolo con un sorriso ironico e una spiccata consapevolezza di come le idee populiste spesso suscitino paura e pregiudizio. I visitatori della mostra scopriranno che le "buone recinzioni" di Ai non sono barriere impenetrabili, ma aggiunte potenti, immersive e risonanti al tessuto della città.
ubicazioni multiple
Separazione del flusso è una commissione dell'artista newyorkese Tauba Auerbach (nata nel 1981 a San Francisco, California), che trasforma la storica nave antincendio John J. Harvey in una moderna "nave dazzle". Inventati dal pittore britannico Norman Wilkinson durante la Prima Guerra Mondiale, i motivi dazzle originali venivano dipinti sulle navi per distorcerne otticamente le forme, confondendo i sottomarini nemici che ne monitoravano la distanza, la direzione e la velocità. Con le loro forme geometriche, i motivi dazzle traevano ispirazione sia dal mimetismo animale che da movimenti d'avanguardia come il Cubismo, il Futurismo e il Vorticismo. Migliaia di navi furono decorate con motivi dazzle nel Regno Unito e negli Stati Uniti, tra cui i Brooklyn Navy Yards di New York.
Estructuras Monumentales è la prima grande mostra di sculture all'aperto dell'artista newyorkese Carmen Herrera (1915–2022, nata a L'Avana, Cuba). Crea dipinti astratti e vibranti da oltre 70 anni, ma solo di recente ha ricevuto il meritato riconoscimento storico-artistico. Le composizioni radiose di Herrera semplificano forme dinamicamente giustapposte fino ai loro elementi più puri di colore e geometria, creando una chiarezza distintiva e iconica, enfatizzando quella che lei considera "la bellezza della linea retta".
Di Herrera Strutture Le serie di sculture sono ancora meno note. Ispirata dalla sua formazione architettonica, Herrera iniziò la serie negli anni '1960 con una serie di schizzi diagrammatici. Immaginava sculture monocromatiche di grandi dimensioni che avrebbero esteso l'esperienza dei suoi dipinti luminosi in tre dimensioni. Fino a poco tempo fa, queste proposte storiche sono rimaste irrealizzate. Con Estructuras Monumentales, questa straordinaria artista è ora in grado di condividere per la prima volta le sue potenti strutture con il pubblico.
Conquista è una nuova, avvincente performance collettiva ideata dall'acclamato artista Pope.L (1955–2023, nato a Newark, NJ). Trae ispirazione dai suoi iconici crawl solitari, in cui l'artista si trascinava attraverso diversi paesaggi urbani. Attraversando le strade e i parchi del centro di Manhattan, Conquest estende questa irriverente e provocatoria tradizione quarantennale di performance pubblica con un ambizioso crawl di gruppo che coinvolge oltre 140 volontari.
L'artista ha selezionato partecipanti che riflettessero la diversità culturale e demografica di New York City, per percorrere a staffetta un percorso di 1.5 km dal John A. Seravalli Playground del West Village fino a Union Square, passando per l'arco di trionfo di Washington Square Park. Strisciando insieme, gli sconosciuti sperimentano la difficoltà e la vulnerabilità di rinunciare al proprio privilegio fisico, satireggiando il proprio vantaggio sociale e politico. Con lo svolgersi del percorso di Pope.L's Conquest, a tutti noi viene offerto uno sguardo sul potere e sulle contraddizioni dell'azione collettiva.
Esposto sulle rive di questo ex porto commerciale, Atlantico Nero è una mostra ispirata alla diaspora transatlantica che collega l'Africa con le Americhe e l'Europa. Nel corso dei secoli, queste reti transatlantiche hanno dato vita a complesse culture e identità ibride, come quelle dei cinque artisti presenti in Black Atlantic. Ogni commissione suggerisce un approccio creativo unico alla creazione di nuove identità e futuri attraverso i gesti personali del lavoro artigianale, spesso in dialogo con i processi di fabbricazione su larga scala. Gli artisti hanno attinto sia alle storie globali che alle esperienze personali per creare queste opere avvincenti, tanto inventive nella forma e nei materiali quanto potenti nei temi trattati.
Nata in Etiopia e attualmente residente in Costa d'Avorio, Aïda Muluneh crea fotografie vibranti che mettono in risalto la sua identità nazionale, politica e culturale. Attraverso l'uso della metafora, crea vignette che ritraggono poeticamente sfaccettature delle sue esperienze di donna etiope e immigrata. Muluneh ha lasciato l'Etiopia in giovane età ed è cresciuta tra lo Yemen e l'Inghilterra, trascorrendo poi un periodo a Cipro e in Canada prima di frequentare l'università negli Stati Uniti. Il suo lavoro riflette il suo impegno nel condividere prospettive complesse e distintamente africane, così come i suoi viaggi personali in tutto il mondo. Questo è dove sono è una mostra di 12 nuove opere d'arte di Muluneh (nato nel 1974, Addis Abeba, Etiopia) presentate in oltre 330 pensiline degli autobus JCDecaux a New York, Boston e Chicago negli Stati Uniti e ad Abidjan in Costa d'Avorio.
