Leilah Babirye, Hugh Hayden, Dozie Kanu, Tau Lewis e Kiyan Williams Atlantico Nero

Esposto sulle rive di questo ex porto commerciale, Atlantico Nero è una mostra ispirata alla diaspora transatlantica che collega l'Africa con le Americhe e l'Europa. Nel corso dei secoli, queste reti transatlantiche hanno dato vita a complesse culture e identità ibride, come quelle dei cinque artisti presenti in Atlantico NeroOgni commissione suggerisce un approccio creativo unico alla creazione di nuove identità e futuri attraverso i gesti personali del lavoro artigianale, spesso in dialogo con i processi di fabbricazione su larga scala. Gli artisti hanno attinto sia alle storie globali che alle esperienze personali per creare queste opere avvincenti, tanto inventive nella forma e nei materiali quanto potenti nei temi trattati.

Atlantico Nero è curato dall'artista Hugh Hayden e Public Art Fund Curatore aggiunto Daniel S. Palmer.

Agali Awamu (Insieme), 2022
Leilah Babirye (nata nel 1985 a Kampala, Uganda; vive e lavora a Brooklyn, New York) presenta due nuovi gruppi di monumentali sculture in legno di pino bianco. Ha scolpito queste forme figurative a mano e con la motosega, attingendo alla sua formazione nelle tecniche tradizionali africane. Babirye le ha impreziosite bruciandole, brunendole e adornandole con metallo saldato e materiali di scarto trovati, in modi che trasformano i rifiuti in qualcosa di spettacolare, mostrandone il valore intrinseco. Queste sculture, che lei chiama "regine trans", intendono "svettare fiere come fari di libertà che accolgono una comunità LGBTQ+ internazionale".

Corrente del Golfo, 2022
Hugh Hayden (nato nel 1983 a Dallas, Texas; vive e lavora a New York City, NY) ha ideato questa mostra e ha anche contribuito con questa opera d'arte surreale. Hayden ha combinato l'esterno dello scafo di una barca in clinker con un interno scheletrico simile a quello di una balena per creare questa imbarcazione vuota arenatasi sulla riva. La forma e il titolo "Gulf Stream" fanno riferimento e "remixano" simultaneamente un dipinto del 1899 di Winslow Homer di una figura nera solitaria in circostanze disperate su una barca naufragata in mare e la reinterpretazione del 2003 di Kerry James Marshall che ha trasformato la scena in un luogo di svago. Hayden vede il suo Corrente del Golfo scultura come “sia una barca che un corpo, i cui passeggeri sconosciuti potrebbero essere riusciti a mettersi in salvo o essere stati inghiottiti dal mare”.

Sui gomiti, 2022
Dozie Kanu (nato nel 1993 a Houston, Texas; vive e lavora a Santarém, Portogallo) ha creato un insieme di oggetti surreali che evidenziano le tensioni tra gli aspetti pubblici e privati ​​del sé. Un contenitore di liquido nero che pulsa al ritmo del battito cardiaco umano e una chaise longue (tipicamente associata alla psicoanalisi) realizzata in cemento evocano l'autoriflessione e anche le torbide profondità dell'inconscio individuale e collettivo. I cerchioni "Texan Wire Wheels" del divano (chiamati anche "gomiti" o "swangas") fanno riferimento alla vivace "cultura SLAB" automobilistica della città natale dell'artista, Houston. L'artista descrive la personalizzazione delle auto all'interno di questa tradizione come una "libera e giocosa creazione della propria proprietà materiale – gesti che trovo profondamente complessi e stratificati, dato il rapporto che gli afroamericani continuano a intrattenere tra proprietà e azione".

Abbiamo premuto le nostre pance insieme e scalciato i nostri piedi, siamo diventati qualcosa di così alieno che non avevamo più predatori naturali, 2022
Abbiamo visto l'umanità evolversi mentre veniva assorbita dal fondale marino, la luna ci fissava e ci diceva che la Terra aveva un cuore pesante, 2022
Ci chiedevamo se gli angeli ci avessero abbandonato o se avessero semplicemente cambiato forma senza farcelo sapere. Ogni notte delle creature svanivano, ogni mattina arrivavano degli sconosciuti., 2022
Tau Lewis (nata nel 1993 a Toronto, Canada; vive e lavora a Brooklyn, New York) è stata ispirata a realizzare queste tre sculture in ghisa di due metri di diametro dai suoi "anni di passione per i crinoidi", una famiglia di creature marine che include stelle marine, ricci di mare, cetrioli di mare e i loro antenati preistorici. Questi animali hanno ciascuno steli a forma di disco impilati con disegni unici. La loro simmetria a cinque punte si riflette nelle sculture di Lewis, con motivi ripetuti che incorporano i simboli Adinkra dell'Africa occidentale. Le fusioni dell'artista "riflettono sul vagabondaggio di questi antichi animali, sulla dispersione globale dei loro corpi fossilizzati e sulla loro coesistenza con i corpi neri sopra e sotto l'Atlantico e durante la diaspora".

Rovine dell'Impero, 2022
Kiyan Williams (nato nel 1991 a Newark, New Jersey; vive e lavora a New York City, New York) immagina le "rovine dell'impero" reinterpretando un simbolo iconico dei valori americani, la Statua della Libertà. Il monumento in bronzo progettato da Thomas Crawford si erge sulla cupola del Campidoglio degli Stati Uniti a Washington, DC, dal 1863 (una struttura costruita utilizzando manodopera schiavizzata). La superficie del terreno dell'adattamento dell'artista fa apparire la scultura in uno stato di decomposizione e decadenza, "incarnando come gli ideali americani di libertà siano legati alla sottomissione, traendo ispirazione dai tropi fantascientifici di un monumento distrutto come la Statua della Libertà come simbolo di un mondo rovinato dalla devastazione ambientale".

Installata nelle orillas di questo antico porto marittimo, Atlantico Nero (Atlantico Negro) è una mostra ispirata alla diaspora che attrae l'oceano e collega l'Africa con l'America e l'Europa. Durante i secoli, queste reti transatlantiche hanno avuto luogo di culture e identità ibride e complesse, come i cinque artisti inclusi in Atlantico Nero (Atlantico Negro). Ciascuno ha raccolto un focus creativo singolare per la costruzione di nuove identità e futuro attraverso gesti personali del lavoro artigianale, un menu in dialogo con i processi di fabbricazione su larga scala. Gli artisti sono ricorsi sia alla storia globale che alle esperienze personali per creare queste opere attente, che sono così ingegnose in termini di forma e materiali come potenti su questi temi.

Agali Awamu (Insieme) (Agali Awamu [Unione]), 2022
Leilah Babirye (n. 1985, Kampala, Uganda; vive y trabaja en Brooklyn, NY) presenta dos nuevos grupos de esculturas monumentales de madera de pino blanco. L'artista talló estas piezas figurativas con una motosierra ya mano, ricorrendo alla sua formazione nelle tecniche tradizionali africane. Babirye ha abbellito queste figure mediante processi di verniciatura, brunitura e decorazione con metalli saldati e materiali di sgretolamento trovati, in modo tale che il residuo si trasformi in qualcosa di spettacolare e, come risultato, lascia vedere il suo valore intrinseco. Queste culture, quando si chiamano “regine trans”, hanno per oggetto “alzarse orgullosas como fari de libertad que acogen a una comunità LGBTQ+ internazionale”.

Corrente del Golfo (La corriente del Golfo), 2022
Hugh Hayden (n. 1983, Dallas, TX; vive e lavora a Nueva York, NY) idea dell'esposizione Atlantico Nero (Atlantico Negro) e ha anche contribuito a lei con questa opera d'arte surrealista. Hayden ha combinato l'esterno di una barra del casco troncata con un interno a forma di scheletro di ballerina per creare l'imbarco vuoto all'aperto. La forma e il titolo, Corrente del Golfo (La corriente del Golfo), di quest'opera sono un riferimento e una “reversione” di un dipinto di Winslow Homer del 1899, che mostra un personaggio negro da solo e in una situazione estrema all'interno di un bote naufragado in mezzo al mare, e della reinterpretazione di Kerry James Marshall nel 2003, in cui questa scena si trasforma in un de ocio. Hayden considera la sua scultura come “un barco y un cuerpo, cuyos desconocidos pasajeros pueden haber logrado salvarse, o bien haber sido tragados por el mar”.

Sui gomiti (Sobre codos), 2022
Dozie Kanu (n. 1993, Houston, TX; vive y trabaja en Santarém, Portogallo) ha creato un ensamblaje de objetos surrealistas que pone de alleviare las tensione entre los aspetti públicos y privados del ser. Un recipiente con liquido nero che ritarda al ritmo di un cuore umano e di un divano sedia a sdraio (generalmente associato alla psicoanalisi) i fondi in orrore alludono all'introspezione e alle turbolenze profonde dell'incosciente individuo e collettivo. I tipici pneumatici texani Wire Wheels (anche chiamati “codos” o “swangas”) sul divano fanno riferimento alla vivace cultura automobilistica “SLAB” di Houston, città natale dell'artista. Kanu descrive la tradizione di personalizzare le auto come “una forma libera e giocosa di progettare i nostri materiali pertinenti, gesti che mi sembrano sommamente complessi e stratificati dada la relazione che gli stati negri seguono navigando tra la proprietà e l'agenzia”.

Abbiamo premuto le pance e scalciato i piedi, siamo diventati qualcosa di così alieno che non abbiamo più avuto predatori naturali (Unimos nuestros vientres y agitamos nuestros pies, nos convertimos en algo tan extraño que ya no teníamos depredadores naturales), 2022
Abbiamo osservato l'evoluzione dell'umanità mentre ci immergevamo nel fondale marino, la luna ci fissava e ci diceva che la Terra aveva il cuore pesante (Vimos evolucionar a la humanidad mientras nos Absorbía el fondo del mar, la luna nos miró fijo y nos contó que la Tierra tenía un corazón acongojado), 2022
Ci siamo chiesti se gli angeli ci avessero abbandonato, o se semplicemente avessero cambiato forma senza farcelo sapere. Ogni notte le creature svanivano, ogni mattina arrivavano estranei (Nos preguntamos si los ángeles nos habían abbandonato, o si semplicemente habían cambiato de forma sin avisarnos. Cada noche desaparecían criaturas, cada mañana llegaban extraños), 2022

Tau Lewis (n. 1993, Toronto, Canada; vive e lavora a Brooklyn, NY) mi ha ispirato per creare queste tre sculture in ferro battuto di due metri di diametro nel suo “eterno fascino dei crinoidi”, una famiglia di creature marine che include le stelle, gli erizos e i pepini del mare, così come i suoi predecessori preistorici. Il corpo di questi animali è formato da un tallone sotto forma di dischi accatastati con design unici. La simmetria nei suoi cinque punti è stata riflessa nelle sculture di Lewis, che esibiscono patroni ripetuti che incorporano i simboli tipici dell'Africa occidentale. Con estas piezas de fundición, l'artista “reflexiona sobre el desplazamiento de estos animales ancestrales, la distribución global de sus cuerpos fosilizados y su coexistencia con cuerpos Negros, por encima y por debajo del Atlantic y por toda la diáspora”.

Rovine dell'Impero (Ruinas del imperio), 2022
Kiyan Williams (n. 1991, Newark, NJ; vive y trabaja en Nueva York, NY) concibe estas “ruinas del imperio” attraverso la reinterpretazione di un simbolo emblematico dei valori statali: la Estatua de la Libertad del Capitolio. Il monumento in bronzo disegnato da Thomas Crawford si alzò nel 1863 a Washington D. C., sopra la cupola del Campidoglio degli Stati Uniti (una struttura costruita con mano di opera scavata). La superficie arenosa e secca della versione di Williams fa sì che la scultura sembra essere in uno stato di decomposizione e deterioramento, "quello che riflette il modo in cui gli ideali stati della libertà sono legati a qualche tempo, e toma come ispirazione un tropo muy utilizado nella ciencia ficción: il monumento come la Statua della La libertà di Nuova York è stata distrutta come simbolo di un mondo devastato dal degrado ambientale”.

Leilah Babirye (nata nel 1985 a Kampala, Uganda) è un'artista e attivista che vive e lavora a Brooklyn, Nuova York. Ha studiato arte presso l'Universidad de Makerere a Kampala, Uganda (2007–2010), e ha partecipato alla Residencia Artística de Fire Island nel 2015. L'artista è cresciuto a New York dalla sua città natale in Uganda nel 2015, tras haber sido expuesta pubblicamente come omosessuale in un periodico locale. Nella primavera del 2018, Babirye ha ricevuto asilo con l'aiuto del Comité de Servicios Africanos e del Proyecto Antiviolencia de Nueva York. Nella sua pratica multidisciplinare, Babirye toma elementi come legno, ceramica, materiali trovati e dipinti, e los trasforma in soggetti figurativi che abordan cuestiones en torno alla identità, alla sessualità e ai diritti umani. Babirye esplora la diversidad de las identidades LGBTQI e confiere a cada sujeto una dignidad majestuosa y una belleza expresiva y tangibile. Tra le sue esposizioni recenti si incontra Ebika Bya ba Kuchu mu Buganda (Clanes Kuchu de Buganda) a Gordon Robichaux, Nuova York e Los Ángeles, e alla Stephen Friedman Gallery, Londra;  Volo: una storia collettiva (Vuelo: una historia colectiva) en el Hessel Museum of Art, Bard College, Annandale-on-Hudson, Nueva York (bajo la curaduría de Serubiri Moses); Muro di pietra 50 nel Museo delle arti contemporanee (CAMH), Houston, Texas; e nel Parco delle sculture Socrates, dove sono state presentate le sculture monumentali sotto carico.

Hugh Hayden (n. 1983, Dallas, Texas) ritiene che l'antropomorfizzazione del mondo naturale sia una lente viscerale per esplorare la condizione umana. Con la madera come medio principale, Hayden ricrea oggetti cotidiani mediante un processo di selezione, tallado e yuxtaposición con il fine di considerare la percezione che abbiamo di noi stessi, di las demás personas e dell'entorno. Al lavoro con diversi oggetti caricati con storie di capas multipli, come tronchi desechados, case native poco comuni, alberi di Natale o sculture africane di memoria, l'artista suele combina especies disímiles e così crear nuove forme composte che riflettono anche i suoi complessi origini culturali. Hayden vive e lavora a Nuova York; possiede una maestria in Belle Arti dell'Università della Columbia e una licenza in Architettura dell'Università Cornell. Tra le ultime esposizioni individuali si trova: Huey, Galleria Lisson, Nuova York, 2021; Boogey Men (Los hombres del saco), Institute of Contemporary Art, Miami, 2021; y Brier Patch (Matorral de espinas), dal carico del Madison Square Park Conservancy, Nuova York, 2022.

Dozie Kanu (n. 1993, Houston, Texas) è radicato a Santarém, Portogallo. La sua indagine è incentrata su un concetto di scultura che abbraccia la produzione di oggetti che comportano una tensione tra l'uso che è il giorno e la sua storia, la sua memoria e la sua materialità. Il linguaggio visivo di Kanu è una critica ai canoni della storia dell'arte occidentale e, con sutileza ed eleganza, si rivela negli oggetti narrativi nel ritorno al colonialismo e all'identità, avendo perso la vita nella sua condizione diaspórica. Tra le esposizioni selezionate si trovano: Midtown (Centro della città), organizzato dal Salon 94 e dalla Galleria Maccarone, Lever House, Nuova York, 2017; FUNZIONE (FUNCIÓN), presso The Studio Museum di Harlem, Nueva York, 2019; Transformer: A Rebirth of Wonder (Transformador: el renacer del asombro), su 180 The Strand, Londra, 2019; Rinculo (Retroceso) (con Cudelice Brazelton IV), in International Waters, Brooklyn, Nueva York, 2020; Owe Deed, One Deep (Debe hacer un acto, uno profundo), su Project Native Informant, Londra, 2020; Enzo Maria, bajo curaduría de Hans Ulrich Obrist, alla Triennale Milano, 2020; Crack Up – Crack Down (Risa e rivoluzione), nel Centro per l'arte contemporanea del castello Ujazdowski, Varsavia, 2020; ordine di valore [gentrify.pt] (ordine di valore [gentrificar.pt]), nella Galeria Madragoa, Lisbona, Portogallo, 2021; puntellare e ignorare (apuntalar e ignorar), it Manual Arts, Los Angeles, California, 2021.

Tau Lewis (n. 1993, Toronto, Canada) vive e lavora a Nueva York, NY. Ha esposto in musei e istituzioni presso la National Gallery of Canada, Ottawa, ON; il MoMA PS1 di Nuova York, NY; il Nuovo Museo di Nuova York, NY; el Hepworth Wakefield, Wakefield, Inghilterra; las College Art Galleries, Saskatoon, SK; el Agnes Etherington Art Center, Kingston, ON; la Galleria d'Arte di Mississauga, Mississauga, ON; e la Galleria d'Arte della York University, Toronto, ON. L'opera di Lewis è stata incorporata nelle collezioni permanenti del Metropolitan Museum of Art, Library Collection, Nueva York, NY; de la Galleria Nazionale del Canada, Ottawa, ON; de Library and Archives Canada, Ottawa, ON; dell'Istituto di Arte Contemporanea, Miami, FL; Museo d'arte del Grinnell College, Grinnell, IA; Museo del Hammer, Los Angeles, CA; e da Prospect 5, Nueva Orleans, LA. Prossimamente presenterà una mostra individuale presso la Haus der Kunst, Monaco, Germania.

Kiyan Williams (n. 1991, Newark, NJ) si dedica alle arti visive e alla scrittura, oltre a dedicarsi con fluidità come artista dell'arte performativa, alla scultura, al video e al 2D. Nel creare una pratica incentrata sul processo, Williams interessa i materiali e i metodi cotidiani e poco convenzionali che evocano le forze storiche, politiche ed ecologiche che danno forma ai corpi individuali e collettivi. Williams ha ottenuto la licenza in Belle Arti con lode presso l'Università di Stanford e una maestria in Arti Visive presso l'Università della Columbia. La sua opera è stata esposta allo SculptureCenter, al Jewish Museum, al Brooklyn Museum, al Socrates Sculpture Park, al Recess Art e al The Shed. Ha tenuto conferenze e conferenze artistiche all'Hirshhorn Museum, allo Studio Museum di Harlem, all'Università di Princeton, all'Università di Stanford, all'Università Statale di Portland, al Guggenheim e al Pratt Institute. L'opera di Williams si trova in collezioni private e pubbliche come il Museo e Giardino delle Sculture del Hirshhorn.