Cory Arcangel, Korakrit Arunanondchai, Brian Bress, Sue de Beer, Mary Reid Kelley e Patrick Kelley, erica phillipson, Martine Sims, Meriem Bennani, Kate Cooper, Cécile B. Evans, GCC, Agnieszka Polonia, Tabor Robak, Jacolby Satterwhite, Hayal Pozanti, Lucas Blalock, Awol Erizku, Ed Fornieles, David Horvitz, Britta Thie, Hannah Whitaker, Casey Jane Ellison Pausa pubblicitaria

Il nostro mondo è sempre più plasmato dalla visualizzazione di informazioni visive. La pubblicità digitale si è integrata perfettamente sia nella sfera pubblica che in quella privata, mentre le modalità di comunicazione, dai social media agli smartphone, hanno cambiato il modo in cui concepiamo il nostro mondo virtuale e fisico. Pausa commerciale, una mostra che coinvolge l'intera città, presenta 23 artisti che hanno creato interruzioni specifiche per piattaforma all'interno dei cicli pubblicitari di alcuni degli schermi digitali più visibili e tecnologicamente avanzati di New York City. Tra questi, un grande cartellone pubblicitario a Times Square; "Oculus" del Barclays Center, un tendone LED a 360 gradi a Prospect Heights; 19 schermi digitali al Westfield World Trade Center a Lower Manhattan; centinaia di chioschi Link di LinkNYC in tutti e cinque i distretti; e PublicArtFund.org, dove l'opera verrà incorporata come "pubblicità" pop-up.

Pausa commerciale trae ispirazione dalla serie di mostre seminali dell'organizzazione Messaggi al pubblico, trasmesso sul pannello luminoso animato Spectacolor di 800 piedi quadrati a Times Square dal 1982 al 1990. Allo stesso modo, interrompendo il flusso quotidiano della pubblicità, ma riflettendo l'attuale saturazione visiva degli schermi digitali, gli artisti in Pausa commerciale Rappresentano una nuova generazione che lavora nei media digitali per creare interventi in sintonia con il mondo attuale. La gamma di commissioni riflette e risponde a questioni rilevanti per il momento attuale: le mutevoli nozioni di sfera online e offline e la circolazione delle immagini, nonché la pervasività della pubblicità e il suo potere di influenzare la sfera politica, sociale e personale della società.

Pausa commerciale is Public Art Fundla più grande mostra collettiva fino ad oggi e segna la prima volta in cui vengono presentate opere in tutti e cinque i distretti contemporaneamente.

Alcune opere sono disponibili per la visione su Google Cultural Institute. Clicca qui.

Pausa commerciale è curato da Public Art Fund Curatori associati Emma Enderby e Daniel S. Palmer.

ARTISTI E LUOGHI IN EVIDENZA:
Times Square: Cory Arcangel, Korakrit Arunanondchai, Brian Bress, Sue de Beer, Mary Reid Kelley e Patrick Kelley, Heather Phillipson e Martine Syms

“Oculus” del Barclays Center: Meriem Bennani, Kate Cooper, Cécile B. Evans, GCC, Agnieszka Polska, Tabor Robak e Jacolby Satterwhite

Westfield World Trade Center: Hayal Pozanti

Chioschi Link di LinkNYC: Lucas Blalock, Antoine Catala e Gabriel Kahan, Awol Erizku, Ed Fornieles, David Horvitz, Britta Thie e Hannah Whitaker

PublicArtFund.org: Casey Jane Ellison

VISITA LA MOSTRA
Pausa commerciale è stata esposta dal 6 febbraio al 5 marzo 2017.

Il cartellone pubblicitario di Times Square era situato all'angolo sud-est tra la 47th Street e la 7th Avenue. Video di 15 secondi venivano trasmessi ogni 5-7 minuti, con un artista diverso ogni giorno della settimana. (Vedi programma qui sotto.)

L'"Oculus" del Barclays Center si trova al 620 di Atlantic Avenue, all'incrocio tra Atlantic Avenue e Flatbush Avenue a Brooklyn. Video di 30 secondi venivano presentati negli ultimi 45 secondi di ogni mezz'ora (6:59.15–6:59.45, 7:29.15–7:29.45, 7:59.15–7:59.45, ecc.) tutti i giorni dalle 6:00 a mezzanotte, e ogni giorno della settimana veniva presentato un artista diverso.

Il Westfield World Trade Center si trova al 185 di Greenwich Street a Manhattan, presso il complesso del World Trade Center. Il video di 10 secondi di Hayal Pozanti è stato proiettato ogni 100 secondi simultaneamente su tutti i 19 schermi del complesso.

I cinque incroci principali dei chioschi Link di LinkNYC, dove le opere venivano esposte con frequenza giornaliera tra le 5:00 e le 7:00, includono 86th St e 3rd Ave; 14th St e 8th Ave; Bowery Street da Houston a Delancey Street; Frederick Douglas Blvd (da 123rd Street a 125th Street); e 34th St e 6th Ave (Herald Square). Le opere venivano inoltre esposte in modo casuale lungo la rete di LinkNYC in tutti e cinque i distretti durante l'arco della giornata, con un artista diverso esposto ogni giorno della settimana. (Vedi programma qui sotto.)

PublicArtFund.org presenta 24 ore su 24 le opere di Casey Jane Ellison, insieme al resto dei video digitali, delle immagini e della documentazione della mostra.

Cory Arcangel (Domenica / Times Square)
(nato nel 1978 a Buffalo, NY; vive e lavora a New York City, NY, e a Stavanger, Norvegia)

Video di Arcangel Surfware Times Square, 2017
Video HD
Per gentile concessione di Arcangel Surfware

L'approccio artistico diversificato di Cory Arcangel si manifesta nella musica, nel cinema, nella pittura, nella performance, nell'editoria, nella programmazione e nella manipolazione di videogiochi, nonché nell'appropriazione e nella conservazione di materiali digitali. Il suo interesse per il linguaggio e la cultura di Internet lo ha portato a fondare Arcangel Surfware, una linea di abbigliamento e prodotti lifestyle e un marchio editoriale creato in collaborazione con il colosso globale del merchandising The Bravado Group, una divisione di Universal Music Group. Questo spot pubblicitario, con i suoi comodi calzini a tubo e i pantaloni della tuta firmati, trasmette un messaggio chiaro: i prodotti Arcangel Surfware offrono tutto il necessario per "rilassarsi" a letto tutto il giorno e navigare su Internet in tutta comodità.

Korakrit Arunanondchai (Giovedì / Times Square)
(nato nel 1986 a Bangkok, Thailandia; vive e lavora a New York City, NY, e a Bangkok)

Ciò che ci separa da tutto ciò che è mai esistito in questo mondo, 2017
Video HD
Per gentile concessione dell'artista, CLEARING New York/Bruxelles e Carlos/Ishikawa Londra

Per vedere la vertigine di questo mondo e dissolversi nella leggerezza, 2017
Video HD
Per gentile concessione dell'artista, CLEARING New York/Bruxelles e Carlos/Ishikawa Londra

Sussurrami il ritornello per il nuovo mondo, 2017
Video HD
Per gentile concessione dell'artista, CLEARING New York/Bruxelles e Carlos/Ishikawa Londra

Combinando stili e riferimenti della cultura pop thailandese con i canoni della storia dell'arte, Korakrit Arunanondchai crea installazioni, video e performance che mettono in discussione gli effetti dell'imperialismo, del turismo e dell'idea di autenticità.

Per Times Square, Arunanondchai ha creato tre video che possono essere visualizzati in sequenza o singolarmente. Le opere ci trasportano poeticamente in un viaggio tra la Thailandia e New York, con vignette sui nonni dell'artista e sulle proteste post-elettorali. Le giustapposizioni dei video – giovinezza e vecchiaia, passato e presente, speranza e perdita, felicità e dolore – ci ricordano in modo toccante la natura complessa, tragica e al tempo stesso meravigliosa della vita.

Meriem Bennani (Sabato / Barclays Center)
(nato nel 1988 a Rabat, Marocco; vive e lavora a Brooklyn, New York)

Il tuo anno di Fardaous Funjab, 2017
Video digitale
Con Aisha Bint Gladys e Nazia Malik; trucco di Yasmeen Ibrahim; modellazione 3D aggiuntiva di Salim Bayri; grafica di Ghazaal Vodjani. Per gentile concessione dell'artista e di SIGNAL.

La nuova opera d'arte di Meriem Bennani per lo schermo "Oculus" del Barclays Center è una pubblicità per una linea immaginaria di hijab che si ispira ai suoi video "Fardaous Funjab". Questa serie, che racconta la storia di un'imprenditrice inventata – una "stilista di hijab d'avanguardia" – affronta le questioni legate al significato culturale del velo e rivaluta i preconcetti occidentali sull'abbigliamento islamico. La sua speciale pubblicità "Your Year" propone un calendario inclusivo e multietnico che unisce le festività islamiche a quelle laiche. La celebrazione dell'hijab da parte dell'artista e il suo messaggio di tolleranza si traducono in un arguto commento sociale su come rappresentiamo le nostre identità. Per questo progetto ha collaborato con sostenitrici dell'hijab come modelle e consulenti per esplorare come l'arte e la moda possano essere un'opportunità per superare i pregiudizi culturali e unire le persone.

Lucas Blalock (Domenica / LinkNYC)
(nato nel 1978 ad Asheville, NC; vive e lavora a Brooklyn, NY)

Questa nuova situazione, 2017
Serie di quattro immagini digitali
Per gentile concessione dell'artista e di Ramiken Crucible

Le strane fotografie di Lucas Blalock rivelano senza mezzi termini i meccanismi della manipolazione digitale. L'artista espone appieno queste tecniche, solitamente nascoste per creare corpi perfetti e accattivanti nelle pubblicità. Preservando la goffaggine delle sue alterazioni e offrendo una serie di hot dog flosci, l'artista ci presenta una sorta di parodia farsesca della pubblicità perfezionata, ridicolizzando l'intero medium con pathos e stravaganza.

Brian Bress (Martedì / Times Square)
(nato nel 1975 a Norfolk, Virginia; vive e lavora a Los Angeles, California)

Consonanza e dissonanza in quattro parti per Times Square, 2017
Video HD
Per gentile concessione dell'artista e di Cherry and Martin, Los Angeles

I tre video di Brian Bress mostrano quattro figure sfuggenti, delicatamente in equilibrio in uno stato di tensione. I loro movimenti impercettibili le fanno emergere in primo piano o le confondono con gli sfondi grafici audaci. I paesaggi artificiali e i personaggi senza volto di Bress combinano umorismo e riferimenti alla storia dell'arte per produrre un tableau vivant enigmatico e sottile, dalle potenti implicazioni metaforiche.

Antoine Catala e Gabriel Kahan (Lunedì / Link NYC)
(Antoine Catala: nato nel 1975 a Tolosa, Francia, vive e lavora a New York City, NY)
(Gabriel Kahan: nato nel 1980 a Città del Messico, Messico; vive e lavora a Los Angeles, California)

Capire.nyc, 2017
Sito web HTML, media misti
Programmazione di Nicholas Woodward; contributi di volontari
Per gentile concessione di Antoine Catala e 47 Canal, New York; Gabriel Kahan e il Programma MIT in Arte, Cultura e Tecnologia

Capire.nyc è una collaborazione tra l'artista Antoine Catala e il ricercatore del MIT Gabriel Kahan. Per la durata di Pausa commerciale, il duo ha utilizzato la rete cittadina di chioschi LinkNYC per lanciare un invito aperto al pubblico per partecipare a un workshop di due giorni. Rivolgendosi oltre le loro cerchie immediate, il loro obiettivo era quello di trovare un gruppo eterogeneo di volontari casuali con cui collaborare per identificare una situazione comune ai partecipanti. Attraverso una serie di discussioni, il gruppo ha selezionato la domanda "Cos'è l'amore?" e ha identificato sei cicli causali: "Realtà", "Amore fantasma", "Impossibilmente", "Amore vivo", "Lo specchio" e "Disaccoppiamento". Attraverso la creazione collettiva, questi cicli causali sono stati poi visualizzati come oggetti fisici, chiamati "tessere", che sono stati scansionati e visualizzati come oggetti 3D su http://www.understand.nyc/, dove i visitatori del sito possono interagire con le piastrelle. Sono state inoltre mostrate sulla rete di chioschi LinkNYC il giorno dopo la chiusura della mostra.

Il progetto e il workshop rappresentano una metodologia, parte della ricerca in corso di Kahan basata sulla ricerca di un terreno comune, in un mondo in cui polarità, ansia e incertezza non sono mai state così diffuse, e costituiscono uno strumento semplice ma potente per comprendere meglio la nostra vita quotidiana.

Kate Cooper (Lunedì / Barclays Center)
(nato nel 1984 a Liverpool, Inghilterra; vive e lavora a Londra, Inghilterra)

Abbiamo bisogno di un rifugio, 2017
Video digitale
Per gentile concessione dell'artista

Kate Cooper manipola digitalmente le immagini delle donne per mettere in discussione l'estetica della pubblicità e le rappresentazioni della femminilità. Abbiamo bisogno di un rifugioCooper utilizza figure generate al computer (CG) come protagoniste per considerarne il potenziale e la presentazione come entità autonome dotate di una logica propria. Mentre i tipici corpi creati in CG sono sempre impeccabili, qui le donne appaiono "rotte", frustrando la tipica posizione che occupano come versioni perfette della forma femminile. Il risultato è un'opera in contrasto con lo scopo per cui è stata creata, con i personaggi che rifiutano il loro scopo prefissato.

Sue de Beer (Sabato / Times Square)
(nato nel 1973 a Tarrytown, NY; vive e lavora a New York City, NY)

Se vengono al mattino 1, 2017
Video HD
Con Arianna Gil e Purp Perez Brujas. Per gentile concessione dell'artista e della Galleria Marianne Boesky.

Se vengono al mattino 2, 2017
Video HD
Con Arianna Gil e Purp Perez Brujas. Per gentile concessione dell'artista e della Galleria Marianne Boesky.

Se vengono al mattino 3, 2017
Video HD
Con Arianna Gil e Purp Perez Brujas. Per gentile concessione dell'artista e della Galleria Marianne Boesky.

I film di Sue de Beer esplorano le problematiche sociali della cultura contemporanea con uno stile visivo unico, fatto di luci colorate, sdoppiamenti prismatici e inquadrature ravvicinate che creano un fascino cinematografico accattivante. I suoi contributi a questa mostra presentano due giovani skater urbane della crew femminista del Bronx, le "Brujas", che considerano i loro interventi nella città e nella cultura di strada un atto profondamente politico. La loro forte presenza su uno schermo pubblicitario nel centro della città, le immagini dei loro eroi politici e l'appello finale di de Beer "Non piangere, organizza", trasmettono tutti un messaggio potente sulla natura radicale delle loro azioni.

Casey Jane Ellison (Quotidiano / PublicArtFund.org/CommercialBreak)
(nato nel 1988 a Los Angeles, CA; vive e lavora a Los Angeles, CA)

Pausa pubblicitaria con Casey Jane Ellison, 2017
Video con audio
Per gentile concessione dell'artista

Casey Jane Ellison è una comica, artista e scrittrice. Tra performance e video, le sue opere affrontano spesso con umorismo la cultura televisiva e delle celebrità, il femminismo, le politiche identitarie e la storia dell'arte. In linea con l'ubiquità della pubblicità e dei messaggi online, Public Art Fund ha invitato Ellison a sviluppare una serie di "pubblicità" pop-up per la home page della mostra. Ellison ha creato un episodio – completo di interruzioni in cui le opere d'arte della mostra vengono riprodotte come spot pubblicitari – in cui riflette sui pericoli del pane e del fascismo.

Awol Erizku (Giovedì / LinkNYC)
(nato nel 1988, Addis Abeba, Etiopia; vive e lavora a New York City, NY e Los Angeles, CA)

Bitches Brew, 2017
Immagine digitale
Per gentile concessione dell'artista e della Night Gallery, Los Angeles

senza titolo (Studio di una mano che tiene una rosa), 2017
Immagine digitale
Per gentile concessione dell'artista e della Night Gallery, Los Angeles

Preludio alla serendipità In collaborazione con Sarah Lineberger, 2017
Immagine digitale
Per gentile concessione dell'artista e della Night Gallery, Los Angeles

Grazie, 2017
Immagine digitale
Per gentile concessione dell'artista e della Night Gallery, Los Angeles

Le fotografie di Awol Erizku si concentrano sul modo in cui le persone di colore si rappresentano e su come vengono ritratte nel mondo dell'arte, della pubblicità e dei media. I tableaux e i ritratti dell'artista fanno riferimento a immagini storiche, prendono spunto dall'alta moda, dialogano con la cultura di strada ed evocano l'arte dei grandi maestri. La sua serie di opere per Pausa commerciale uniscono questi diversi riferimenti e stili, nonché tropi riconoscibili, alle accattivanti immagini delle nature morte floreali contemporanee per produrre fotografie sorprendenti che ci costringono a esaminare attentamente il potere delle immagini che proliferano nel mondo odierno.

Cécile B. Evans (Martedì / Barclays Center)
(nato nel 1983 a Cleveland, OH; vive e lavora a Londra, Inghilterra)

Un ricordo può vivere, 2017
Video, colore, senza audio
Modellazione 3D di Hossein Diba; rendering aggiuntivi di Andres Parody e Tom Kemp; animazione e compositing di Otavio Lima e Tom Kemp. Animazione originale dei personaggi di Ciò che il cuore vuole, 2016, co-commissionato dalla 9a Biennale di Berlino, dal Museo De Hallen Frans Hals, dalla Kunsthalle Winterthur e dalla Kunsthalle Aarhus.
Per gentile concessione dell'artista e della Emanuel Layr Galerie, Vienna

Un ricordo può vivere è la storia delle origini di Ciò che il cuore vuole, installazione video di Cécile B. Evans del 2016 commissionata dalla 9a Biennale di Berlino. Ciò che il cuore vuole esplora cosa potrebbe significare essere umani in futuro e cosa costituisce "una persona". HYPER, il narratore di Ciò che il cuore vuole, si presenta come un nuovo sistema, introducendo gli spettatori in un tempo futuro chiamato "dopo k", e propone una soluzione al collasso del WWW. In Un ricordo può vivereHYPER presenta un annuncio di servizio pubblico per una tabula rasa: una pagina di documento vuota e modificabile in cui gli utenti possono raccogliere i propri pensieri e avviare nuove conversazioni senza interfacce e tempistiche complicate.

Ed Fornieles (Martedì / LinkNYC)
(nato nel 1983 a Petersfield, Inghilterra; vive e lavora a Montreal, Canada)

Sei un Pepe?, 2017
Immagine digitale
Per gentile concessione dell'artista

Meme wars papà 1, 2017
Immagine digitale
Per gentile concessione dell'artista

Meme wars papà 2, 2017
Immagine digitale
Per gentile concessione dell'artista

Sei un Wojak?, 2017
Immagine digitale
Per gentile concessione dell'artista

Balbettio, 2017
Immagine digitale
Per gentile concessione dell'artista

Farfuglio, 2017
Immagine digitale
Per gentile concessione dell'artista

marmaglia, 2017
Immagine digitale
Per gentile concessione dell'artista

yabble, 2017
Immagine digitale
Per gentile concessione dell'artista

Dalle installazioni alle sitcom su Facebook, Ed Fornieles intreccia spazi online e offline, utilizzando avatar, feed di dati e trend di attualità per espandere la nostra realtà post-digitale. Per LinkNYC, Fornieles ha creato due serie di opere che mirano a stimolare conversazioni che affrontano le "bolle" politiche.

La prima serie di immagini, che copre la prima metà della mostra, esplora l'appropriazione dei meme come simboli di ideologie politiche e degli schieramenti che formano. I due meme utilizzati da Fornieles sono il controverso Pepe the Frog e "Feels Guy", Wojak. Sebbene creata in modo innocente nel 2008, l'immagine di Pepe è stata appropriata dall'alt-right all'inizio del 2016, diventando sinonimo del movimento. Wojak, utilizzato per rappresentare sentimenti come la malinconia e la solitudine, ha iniziato ad apparire accanto a Pepe come sua vittima di vari crimini.

La seconda serie di immagini—Chiacchiere, chiacchiere, chiacchiere, chiacchiere—promuove una "Serie di Conversazioni Politiche" che l'artista intende attivare dopo la mostra per incoraggiare un ulteriore dialogo sulle divisioni politiche. Ogni opera indica una posizione nello spettro politico, dalla sinistra radicale alla destra.

Le opere di Fornieles per questa mostra parlano di un momento attuale con riferimenti storici, in cui le ideologie sono rappresentate attraverso codici, simboli, individui e linguaggio. Tuttavia, oggi, Internet offre la piattaforma ottimale per la loro circolazione e assimilazione.

GCC (Giovedì / Barclays Center)
Nanu Al-Hamad (nato nel 1987 a Kuwait City, Kuwait; vive a New York City, NY), Khalid Al Gharaballi (nato nel 1981 a Kuwait City, Kuwait; vive a Kuwait City, Kuwait), Abdullah Al-Mutairi (nato nel 1990 a Kuwait City, Kuwait; vive a New York City, NY), Fatima Al Qadiri (nata nel 1981 a Dakar, Senegal; vive a New York City, NY), Monira Al Qadiri (nata nel 1983 a Dakar, Senegal; vive a Beirut, Libano), Aziz Al Qatami (nato nel 1979 a Kuwait City, Kuwait; vive a Kuwait City, Kuwait), Barrak Alzaid (nato nel 1985 a Kuwait City, Kuwait; vive a Dubai, Emirati Arabi Uniti), Amal Khalaf (nata nel 1982 a Singapore; vive a Londra, Inghilterra)

La mia visione, 2017
Video digitale
Per gentile concessione degli artisti

Fondato nella VIP lounge di Art Dubai nel 2013, il collettivo GCC si propone di indagare la cultura contemporanea della regione del Golfo Persico. In circolazione sull'"Oculus" del Barclays Center, le immagini digitali di dipinti a olio dei membri del GCC sono posizionate nel ruolo di "Baba", o Padre, un titolo spesso usato dai leader politici in Medio Oriente. I loro occhi dipinti replicano le varianti dello sguardo che si trovano nei ritratti tradizionali dei capi di stato, dal leader "visionario" allo sguardo punitivo di un dittatore. Gli occhi di Big Baba sono sempre vigili.

David Horvitz (Mercoledì / LinkNYC)
(nato nel 1981 a Los Angeles, CA; vive e lavora a Los Angeles, CA)

Per Kiyoko, da Amache, 2017
Immagine digitale
Per gentile concessione dell'artista e di Chert Lüdde, Berlino

David Horvitz lavora con diversi media, spesso utilizzando poeticamente i sistemi di circolazione per analizzare i modelli di movimento. Colleziona e poi distribuisce immagini e oggetti attraverso vari mezzi, da internet alle biblioteche.

Nei chioschi di LinkNYC, Horvitz espone una semplice immagine di un cielo notturno, accompagnata da un breve testo che si rivolge direttamente allo spettatore, un riferimento agli slogan pubblicitari. Tuttavia, le parole non formano un'affermazione benigna, ma un toccante riferimento a sua nonna, che fu incarcerata in un campo di internamento negli Stati Uniti. Le strutture rimasero operative per quattro anni dopo il bombardamento giapponese di Pearl Harbor nel 1941 e ospitarono tra i 110,000 e i 120,000 giapponesi americani. I campi seguirono numerose leggi di esclusione che di fatto vietarono qualsiasi immigrazione dai paesi asiatici, tra cui Giappone e Cina. L'opera è un promemoria personale ma universale, attuale ed elegiaco, a tenere conto del passato, soprattutto quando si progetta il futuro.

Mary Reid Kelley e Patrick Kelley (Lunedì / Times Square)
(Mary Reid Kelley: nata nel 1979 a Greenville, SC; vive e lavora a Olivebridge, NY)
(Patrick Kelley: nato nel 1969 a Bloomington, MN; vive e lavora a Olivebridge, NY)

Carne di Creta, 2016
Video HD, senza audio, modificato da Pasifae di Swinburne (2014)
Per gentile concessione degli artisti, della Galleria Pilar Corrias e di Fredericks & Freiser

Mary Reid Kelley e Patrick Kelley creano video in bianco e nero ricchi di riferimenti storici che esplorano la condizione femminile nel corso della storia, combinando poesia ricca di giochi di parole, personaggi di fantasia e ambienti utopici. Il loro nuovo video intitolato Carne di Creta, adattato dal loro lavoro del 2014 Pasifae di Swinburnefonde l'antichità classica con la cultura pop. Proiettato nel contesto di Times Square, questo video diventa una satira della pubblicità, evidenziando le peculiarità del desiderio.

erica phillipson (Mercoledì / Times Square)
(nato nel 1978 a Londra, Inghilterra; vive e lavora a Londra, Inghilterra)

QUAL È IL DANNO?, 2017
Video HD
Per gentile concessione dell'artista

I video e le installazioni scultoree di Heather Phillipson sono un'ondata di immagini, rumori, colori e parole che, insieme, formano complesse digressioni poetiche sul nostro momento contemporaneo. QUAL È IL DANNO? Trasmette l'energia e l'emozione della protesta politica. L'opera fonde insieme rappresentazioni di distruzione – animali scuoiati, denaro che vola, terra fratturata, cieli sanguinanti, droni, guerra, pelle d'oca, ossa di pollo e reni che girano – per riflettere un momento caotico e urgente su Times Square.

Agnieszka Polonia (Domenica / Barclays Center)
(nato nel 1985 a Lublino, Polonia; vive e lavora a Berlino, Germania)

Il sole che piange, 2017
Video digitale
Per gentile concessione dell'artista e di Zak | Galleria Branicka, Berlino

I video di Agnieszka Polska spesso partono da materiale trovato, da fotografie d'archivio a illustrazioni, che elabora attraverso animazioni e collage. I suoi soggetti si basano su eventi e persone del passato per dimostrare come la storia possa essere romanzata, cancellata o riscritta.

Il sole che piange è un film d'animazione ispirato alla poesia per bambini Ciò che il Sole ha visto, di Maria Konopnicka, influente poetessa polacca del periodo positivista del XIX secolo, traduttrice, giornalista e attivista progressista per i diritti delle donne e l'indipendenza polacca. Tra i temi comuni nell'opera della poetessa figurano la povertà dei contadini e la loro oppressione; questa poesia racconta, con tono infantile, la vita quotidiana, i rituali e le attività della campagna, visti dal Sole in alto. Nel video di Polska, il Sole, pur essendo luminoso e infantile, inizia a piangere, diventando una potente metafora del dolore di essere uno spettatore passivo senza la possibilità di agire.

Hayal Pozanti (Quotidiano / Westfield World Trade Center)
(nato nel 1983 a Istanbul, Turchia; vive e lavora nel Queens, New York)

TENEREZZA IMPLACABILE, 2017
19 animazioni video a canale singolo
Per gentile concessione dell'artista e della Jessica Silverman Gallery

Nell'ambito della sua pratica artistica, Hayal Pozanti ha ideato un proprio enigmatico alfabeto di forme astratte, espresse in dipinti multicolori e immagini digitali. Le sue variazioni su questi 31 segni evidenziano il ruolo della tecnologia e del linguaggio nella cultura e il modo in cui le informazioni vengono trasmesse e ricevute nell'attuale era digitale basata sui dati. Le loro combinazioni evidenziano le differenze tra gli esseri umani e l'intelligenza artificiale, sottolineando il valore delle emozioni e i punti in comune che condividiamo come specie. TENEREZZA IMPLACABILE, commissionato da Public Art Fund per i 19 schermi digitali del Westfield World Trade Center, appare nel ciclo pubblicitario come un sorprendente contrasto tra lingue familiari e sconosciute. Il suo alfabeto di forme fluttua sullo sfondo, mentre la sua traduzione in inglese compone le parole "RELENTLESS TENDERNESS", che scorrono sullo schermo. Questa espressione tipicamente umana ci differenzia dall'intelligenza artificiale per sottolineare il valore delle emozioni e i tratti comuni che condividiamo come specie. Ciò riecheggia l'appello dell'artista alla tolleranza, alla comprensione e all'empatia nel mondo di oggi.

Tabor Robak (Venerdì / Barclays Center)
(nato nel 1986 a Portland, Oregon; vive e lavora a Brooklyn, New York)

Demo liquida, 2016
Video digitale
Per gentile concessione dell'artista

Le immagini e i video generati al computer di Tabor Robak fondono animazione 3D, gaming e linguaggio del marketing per creare una tensione istruttiva tra realtà e simulazione. Per "Oculus" del Barclays Center, Robak ha utilizzato un metodo innovativo per creare la sua nuova opera d'arte colorata. L'artista ha animato schemi di movimento algoritmici tratti dai videogiochi e li ha trasformati in vortici di colore brillanti che riempiono lo schermo e trasformano l'imponente schermo a 360 gradi in un flusso dinamico di colori liquidi che circondano il pubblico sottostante.

Jacolby Satterwhite (Mercoledì / Barclays Center)
(nato nel 1986 a Columbia, SC; vive e lavora a New York City, NY)

Lo spazio sicuro, 2017
Animazione video
Per gentile concessione dell'artista e della Galleria Moran Bondaroff

I video di Jacolby Satterwhite, ambientati in ambienti ispirati alla fantascienza, utilizzano performance e animazione 3D per esplorare la memoria e la storia personale. Il suo nuovo lavoro per il Barclays Center presenta un video in realtà virtuale a 360 gradi. La scena futuristica presenta un paesaggio extraterrestre di macchine rotanti e figure danzanti che incantano gli spettatori con il loro fascino immersivo.

Martine Sims (Venerdì / Times Square)
(nato nel 1988 a Los Angeles, CA; vive e lavora a Los Angeles, CA)

Lezione LXXV, 2017
Video digitale
Per gentile concessione dell'artista e della Bridget Donahue Gallery

Profondamente influenzata dal cinema e dalla televisione, l'opera multimediale di Martine Syms esamina le rappresentazioni della comunità nera e il suo rapporto con la commedia situazionale americana, il linguaggio, il cinema e i movimenti femministi. Il suo nuovo video, Lezione LXXV, è la continuazione della sua serie in corso che ha avuto inizio con la creazione da parte dell'artista di spot pubblicitari sulle "lezioni" delineate nel libro di prosa di Kevin Young, The Grey Album: Sulla nerezza della nerezza. Mentre precedente Lezioni hanno presentato video personali e trovati, per Times Square Syms ha creato un autoritratto toccante e inquietante, con toni carichi.

Britta Thie (Venerdì / LinkNYC)
(nato nel 1987 a Minden, Germania; vive e lavora a Berlino, Germania)

Il Superhost, Anticipazione, 2017
Video digitale
Per gentile concessione dell'artista

Il Superhost, Manifesto, 2017
Immagine digitale
Per gentile concessione dell'artista

L'ansia colpisce, 2013
Immagine digitale,
Foto di Kerstin Zu Pan; styling di Julia Burlingham. Per gentile concessione dell'artista.

Il lavoro di Britta Thie esamina la condizione umana attraverso le soap opera, la pubblicità e la complessa e fluttuante relazione tra il sé e la rappresentazione digitale. La webserie in sei parti dell'artista, Translantics, ha drammatizzato le caratteristiche dei millennials, attraverso le personalità online e la fluidità dell'identità e della nazionalità.

Per i chioschi LinkNYC, Thie realizza uno spot pubblicitario per la sua prossima serie di follow-up Il SuperhostAmbientato in un appartamento Airbnb immaginario, il dramma satirico è incentrato sull'auto-mercificazione post-digitale, ottenuta attraverso sistemi di valutazione online. La sitcom è stata rappresentata dal vivo nel giugno 2016 e le registrazioni dal vivo e le prove costituiscono la web serie finale, con l'aggiunta di animazioni e una traccia di risate che corrisponde alle stelle di valutazione. Lo spettacolo è stato lanciato a marzo 2017 su ARTE.TV come web serie. Per maggiori informazioni, visita the-superhost.com

Hannah Whitaker (Sabato / LinkNYC)
(nato nel 1980 a Washington, DC; vive e lavora a New York City, NY)

Fase 1, 2017
Immagine digitale
Per gentile concessione dell'artista e della Galleria M+B

Fase 2, 2017
Immagine digitale
Per gentile concessione dell'artista e della Galleria M+B

Fase 3, 2017
Immagine digitale
Per gentile concessione dell'artista e della Galleria M+B

Fase 4, 2017
Immagine digitale
Per gentile concessione dell'artista e della Galleria M+B

Hannah Whitaker inizia a creare le sue fotografie con una tecnica che potrebbe non coinvolgere i pixel digitali, ma che evoca le prime "schede perforate" dei computer che consentivano l'elaborazione dei dati. Crea una serie di schermate che (sezione per sezione) espongono i suoi soggetti sulla pellicola. Attraverso questo processo meticoloso e ripetitivo, ha creato un gruppo di immagini per Pausa commerciale Con corpi in movimento incorniciati da forme geometriche colorate. In questo modo, utilizza le tecniche di elaborazione digitale delle informazioni e di animazione rudimentale per creare fotografie suggestive che evocano la tecnologia digitale storica. Queste si riferiscono ai pionieri innovativi della grafica e della pubblicità in un modo iterativo che aggiunge un tocco di stravaganza e colore al nostro dinamismo urbano.