L'esterno di una stazione ferroviaria con tre grandi finestre ad arco e porte, da cui si intravede l'opera d'arte.

Sala dei treni di Moynihan

Sala del treno di Moynihan

In vista permanente

Chi siamo

Cosa rende un edificio pubblico uno spazio veramente civico, capace di evocare un senso di appartenenza condivisa e orgoglio collettivo? Nella nuova Moynihan Train Hall, una serie di straordinarie opere d'arte pubbliche cattura ed esprime lo spirito di vocazione democratica, memoria storica e design innovativo che caratterizzano questo nuovo fulcro dell'infrastruttura urbana essenziale di New York City.

La storica Pennsylvania Station, un capolavoro in stile Beaux Arts progettato da McKim, Mead & White, fu inaugurata nel 1910. La sua demolizione nel 1963 segnò la perdita di un amato punto di riferimento architettonico e civico nel cuore della città. L'all'avanguardia Moynihan Train Hall, completata nel dicembre 2020 sotto la guida del governatore Andrew M. Cuomo, è una ristrutturazione attenta e visionaria dell'ufficio postale James A. Farley del 1912, il prestigioso edificio gemello della Pennsylvania Station originale.

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Public Art Fund è stato invitato dall'Empire State Development a sviluppare e dirigere un programma di ambiziose installazioni artistiche per tre importanti siti all'interno della Train Hall. In linea con l'integrazione architettonica tra antico e moderno dell'edificio riprogettato, il programma artistico ha commissionato a tre dei più importanti artisti del mondo la creazione di opere d'arte di grandi dimensioni, site-specific, che riflettono in modo ampio sui concetti di passato, presente e futuro. Queste commissioni molto diverse, di Stan Douglas, Elmgreen & Dragset e Kehinde Wiley, dimostrano l'ingegno e la visione di ciascun artista.

Stan Douglas ha esplorato la storia della Penn Station originale, dando vita a narrazioni di momenti diversi attraverso le tecnologie digitali più avanzate. Elmgreen & Dragset hanno immaginato un'immaginaria metropoli globale trasformandola in un essere scultoreo, capovolto, che irradia l'irresistibile energia urbana della città. Utilizzando vetrate illuminate e ispirandosi ai soffitti affrescati classici, Kehinde Wiley ha adattato i movimenti della breakdance – una forma di danza nata nelle strade del Bronx – in un'allegoria lirica dell'espressione umana dinamica. Caratterizzate da audaci giustapposizioni tra antico e moderno, queste commissioni sono emblematiche del costante stato di innovazione e trasformazione che caratterizza la quintessenza di New York. Sono accattivanti e potenti in modi diversi, ciascuna ispirata al ricco patrimonio di New York, alla sua gente eterogenea e talentuosa e al suo spirito creativo. Insieme, danno una definizione artistica abbagliante al carattere generoso e civico della Moynihan Train Hall.

Stan Douglas, Mezzo secolo di Penn Station

Dal 1910 al 1963, la Pennsylvania Station originale sorgeva a un isolato a est della Moynihan Train Hall, sul sito dell'attuale Madison Square Garden. La demolizione del grandioso edificio in stile Beaux Arts, progettato dagli eminenti architetti americani McKim, Mead & White, è oggi considerata una perdita incomparabile per la storia dell'architettura della Gilded Age e per il paesaggio urbano di New York. Nella Ticketed Waiting Room della Moynihan Train Hall, i nove pannelli fotografici dell'artista Stan Douglas, disposti in tre coppie e un trittico, ricostruiscono momenti significativi ma poco noti che abbracciano il mezzo secolo di vita della stazione, rappresentando vivide evocazioni della storia dimenticata della città. Per ricreare sia l'edificio demolito che questi momenti, Douglas ha intrapreso un'ampia ricerca d'archivio. Estrapolando da fotografie, articoli di giornale e progetti architettonici, ha rimesso in scena eventi storici posando e fotografando artisti dal vivo in costumi d'epoca. Douglas ha unito decine di esposizioni per creare ogni tableau, che ha poi ambientato in sfondi CGI (immagini generate al computer) resi con estrema precisione, che riproducono fedelmente gli alti soffitti e gli imponenti atri della stazione originale. Douglas ha selezionato eventi che raccontano l'ampiezza dell'esperienza collettiva di cui la Penn Station è stata il palcoscenico. Con una qualità cinematografica, ogni scena rivive la storia con dettagli inquietanti, rivelando questo monumento architettonico come un grande teatro per i milioni di drammi umani che animano gli spazi civici e li arricchiscono di significato.

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Dalla fine degli anni '1980, Douglas ha utilizzato la fotografia, il cinema e il teatro per riconsiderare la storia e i mezzi della sua documentazione, che ne definiscono la forma nella nostra memoria collettiva. Nate da un'approfondita ricerca storica, le opere di Douglas offrono una nuova attenzione a eventi trascurati, specifici di un luogo specifico. Spesso si concentra su momenti intimi e localizzati di spettacolo e commozione che parlano di cambiamenti sociali più ampi. Nel rimettere in scena questi eventi, Douglas fa consapevolmente riferimento alle tecnologie che impiega per dar loro vita. Mezzo secolo di Penn Station, le raffigurazioni di artisti di vaudeville, le scenografie di Hollywood e le campagne pubblicitarie basate su fotomurali riecheggiano il processo artistico di Douglas, suggerendo che la documentazione fotografica ha il potenziale per essere un mezzo tanto di fantasia quanto di verosimiglianza. Concepite specificamente per la serie di quattro nicchie architettoniche che ancorano la parete di fondo della Ticketed Waiting Room, le nove scene individuali sono collegate da molteplici fili narrativi e introducono dettagli sottili che si rivelano a un esame più attento. Mezzo secolo di Penn Station è la prima commissione pubblica permanente dell'artista negli Stati Uniti.

Stan Douglas (nato nel 1960 a Vancouver, Canada; vive e lavora a Vancouver)
Mezzo secolo di Penn Station, 2020
Inchiostro ceramico su vetro
Nove pannelli fotografici installati in quattro nicchie: ogni nicchia 6′ 7 5/8” H x 22′ 2 ½” W x ½” D
Commissionato da Empire State Development in collaborazione con Public Art Fund

Foto di installazione

Due pannelli orizzontali di fotografie, con tappezzeria blu e sedili in legno sotto i pannelli. Le due fotografie raffigurano rievocazioni di eventi significativi ma poco noti...

Una parete dell'atrio di un treno ospita due pannelli orizzontali di fotografie, con tappezzeria blu e sedili in legno sotto i pannelli. Le due fotografie raffigurano delle ricostruzioni...

Informazioni sull'artista

Stan douglas Vedi profilo

Dalla fine degli anni '1980, Stan Douglas (nato nel 1960 a Vancouver, Canada) ha utilizzato la fotografia, il cinema e il teatro per riconsiderare la storia e i mezzi della sua documentazione, che ne definiscono la forma nella nostra memoria collettiva. Nate da un'approfondita ricerca storica, le opere di Douglas offrono una nuova attenzione a eventi trascurati, specifici di un luogo specifico. Spesso si concentra su momenti intimi e localizzati di spettacolo e commozione che parlano di cambiamenti sociali più ampi. Nel rimettere in scena questi eventi, Douglas fa consapevolmente riferimento alle tecnologie che impiega per dar loro vita.

Le opere di Douglas sono state oggetto di mostre personali presso importanti istituzioni come l'Hessel Museum of Art, Bard College, Annandale-on-Hudson, N (2025); DAS MINSK Kunsthaus, Potsdam, Germania (2022); Phi Foundation, Montreal (2022); Art Gallery of Nova Scotia, Halifax (2022); Toledo Museum of Art, OH (2021); Musée d'Art Moderne Grand-Duc Jean (MUDAM), Lussemburgo (2018); Pérez Art Museum, Miami (2016); Salzburger Kunstverein, Salisburgo, Austria (2016); Hasselblad Center, Göteborg, Svezia (2016); e WIELS Centre d'Art Contemporain, Bruxelles (2015). Le sue opere sono state esposte alla Biennale di Venezia (2022, 2019, 2005, 2001, 1990) e a documenta (2002, 1997, 1992). Douglas ha ricevuto numerosi premi, tra cui l'Audain Prize for Visual Art (2019); l'Hasselblad Foundation International Award in Photography (2016); la terza edizione dello Scotiabank Photography Award (2013); e l'Infinity Award dell'International Center of Photography di New York (2012). Le sue opere sono presenti in collezioni di tutto il mondo, tra cui l'Art Gallery of Ontario di Toronto; il Centre Georges Pompidou di Parigi; il Los Angeles County Museum of Art di California; il Museum of Contemporary Art di Chicago di Illinois; il Museum of Modern Art di New York; la National Gallery of Canada di Ottawa; il Pérez Art Museum di Miami; il San Francisco Museum of Modern Art di California; il Solomon R. Guggenheim Museum di New York; la Tate di Londra; la Vancouver Art Gallery di Canada. Douglas vive e lavora a Vancouver.

(come da 2025)

Opere

Foto che ritrae uno spettacolo di vaudeville improvvisato nella sala d'attesa dello storico edificio della Penn Station.

Persone vestite con abiti invernali degli anni '1920 si radunano attorno alle scale per osservare e fotografare l'uscita di una donna arrestata.

Un trimotore è fermo nella sala d'attesa vuota e scarsamente illuminata di una grande stazione. Il sole inonda la sala d'attesa mentre i passeggeri iniziano ad affluire.

Sei enormi murales in bianco e nero all'interno di una grande stazione ferroviaria raffigurano i dipendenti della ferrovia: un capotreno, un ingegnere, un soldato e molti altri.

Rappresentazione di un moderno ufficio di biglietteria e servizi in una grande stazione ferroviaria, con un tetto luminoso che ricorda la conchiglia di una vongola.

Un'immagine raffigura gli ultimi momenti di affetto mentre i soldati in partenza per la Seconda Guerra Mondiale salutano i propri cari in una grande stazione ferroviaria.

Un teatro di posa vuoto di un film del 1945 ambientato in una grande sala ferroviaria, popolata solo da tecnici, oggetti di scena e strumenti di illuminazione.

Elmgreen & Dragset, The Hive

Sospeso al soffitto dell'atrio d'ingresso del 31st Street Mid-block, The Hive è un modello architettonico in scala 1:100 che offre una visione surreale e fantastica di una metropoli globale. Decine di grattacieli illuminati scendono verso i visitatori, il cui orientamento rivolto verso il basso invita a nuove e varie prospettive mentre i visitatori si muovono nello spazio. Il duo di artisti Elmgreen & Dragset ha combinato grattacieli miniaturizzati di loro invenzione con iconici grattacieli di megalopoli di tutto il mondo, distillando queste torri nelle loro forme più essenziali. Questa città immaginaria combina punti di riferimento di Chicago, Hong Kong, Kuala Lumpur, Londra e Parigi, oltre alle iconiche silhouette di New York.

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Titolazione dell'opera The HiveGli artisti suggeriscono un legame tra strutture naturali e costruite dall'uomo, come l'architettura complessa e in continua evoluzione di un alveare. Hanno anche paragonato gli edifici a soffitto a stalattiti luminose che rendono omaggio alle città altamente sviluppate in cui viviamo oggi, ricordandoci al contempo le nostre origini di cavernicoli. Familiare ma estranea, questa inquietante rappresentazione ibrida di un centro urbano evidenzia la globalizzazione del design architettonico ed evoca l'influenza e l'interconnessione delle grandi città del mondo. Come un riflesso invertito del paesaggio urbano appena oltre le porte della Train Hall, The Hive esprime l'idea per eccellenza di New York City come un crogiolo in cui culture, nazionalità ed etnie coesistono diventando più della somma delle loro parti.

Dal 1995, Elmgreen & Dragset creano sculture e installazioni che incoraggiano nuove prospettive sulle strutture e i sistemi che governano le nostre vite. Le loro opere traspongono e ricollocano oggetti di uso quotidiano in disposizioni e ambientazioni inaspettate, spesso con un umorismo sovversivo. Attraverso la ricontestualizzazione del familiare, gli artisti trasformano gli elementi quotidiani del nostro ambiente vissuto – bancomat, tubature fognarie, piscine suburbane – invitando a nuove narrazioni e attivando associazioni con tensioni sociali più ampie. La strategia di spostamento di Elmgreen & Dragset modifica radicalmente la nostra percezione di ciò che ci circonda e spesso si oppone alle nozioni di conformismo all'interno dei nostri ambienti costruiti e socioculturali. In linea con la loro pratica e in dialogo visivo con le opere degli artisti. Magic Mushrooms (2015) e Città nel cielo (2019), The Hive Ci offre una sorprendente relazione percettiva e spaziale con una vista familiare, lo skyline della città. L'imponente statura dei grattacieli capovolti è allo stesso tempo imponente e affascinante. Evoca l'attrazione magnetica delle città e la continua urbanizzazione del nostro mondo. Con edifici alti fino a 2,7 metri e dotati di oltre 1.3 km di strisce LED integrate, questa è una delle installazioni tecnicamente più complesse. The Hive è la prima scultura pubblica permanente dell'artista a New York.

Elmgreen e Dragset
Michael Elmgreen (nato nel 1961 a Copenaghen, Danimarca; vive e lavora a Berlino, Germania), Ingar Dragset (nato nel 1969 a Trondheim, Norvegia; vive e lavora a Berlino, Germania)
The Hive, 2020
Acciaio inossidabile, alluminio, policarbonato, luci a LED e lacca
45' 5" L x 22' 5" L x 12' P
Commissionato da Empire State Development in collaborazione con Public Art Fund

Foto di installazione

Primo piano di una serie di grattacieli illuminati in bianco e nero che scendono dal soffitto.

Una serie di luci bianche e nere illuminano i grattacieli che scendono dal soffitto all'interno di una stazione ferroviaria, con tre finestre ad arco.

Una serie di luci bianche e nere illuminano i grattacieli che scendono dal soffitto all'interno di una stazione ferroviaria.

Una serie di grattacieli illuminati in bianco e nero che scendono dal soffitto di una stazione ferroviaria. Le persone camminano sotto l'opera.

Elmgreen & Dragset ringraziano sentitamente il loro studio (Niklas Schumacher, Margo Lauras, Moritz Pitrowski, Rhiannon Thayer, Darius Am Wasser, Phoebe Emerson, Leona Tobien, Sasha Mballa-Ekobena), nonché Steelworks, Studio Barthelmes, UAP, Torsilieri e Craft Engineering.

Informazioni sull'artista

Elmgreen e Dragset Vedi profilo

Dal 1995, Elmgreen & Dragset creano sculture e installazioni che stimolano nuove prospettive sulle strutture e sui sistemi che governano le nostre vite. Le loro opere traspongono e ricollocano oggetti di uso quotidiano in configurazioni e ambientazioni inaspettate, spesso con un umorismo sovversivo. Attraverso la ricontestualizzazione del familiare, gli artisti trasformano gli elementi quotidiani del nostro ambiente di vita – bancomat, tubature fognarie, piscine suburbane – invitando a nuove narrazioni e attivando associazioni con tensioni sociali più ampie. La strategia di dislocazione di Elmgreen & Dragset modifica radicalmente la nostra percezione di ciò che ci circonda e spesso si oppone alle nozioni di conformismo all'interno dei nostri ambienti costruiti e socioculturali.

Elmgreen & Dragset hanno presentato mostre personali presso istituzioni quali il Musée d'Orsay, Parigi (2024-25); il Centre Pompidou-Metz, Francia (2023-24), la Fondazione Prada, Milano (2022); il Nasher Sculpture Center, Dallas (2019-20); la Whitechapel Gallery, Londra (2018-19); il Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv (2016); l'UCCA Center for Contemporary Art, Pechino (2016); PLATEAU, Samsung Museum of Art, Seul (2015); il Victoria and Albert Museum, Londra (2013-14); il Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam (2011); e lo ZKM Museum of Modern Art, Karlsruhe (2010). Le loro opere sono state incluse nella NGV Triennial, Melbourne, Australia (2023); Biennale di Bangkok (2018), Biennale di Istanbul (2013, 2011, 2001), Biennale di Liverpool (2012), Biennale di Singapore (2011), Biennale di Mosca (2011, 2007), Biennale di Venezia (2009, 2003), Biennale di Gwangju (2006, 2002), Biennale di San Paolo (2002) e Biennale di Berlino (1998). Nel 2012 Elmgreen & Dragset sono stati selezionati per la Fourth Plinth Commission di Londra a Trafalgar Square. Le loro opere sono presenti nelle collezioni del Museum of Contemporary Art di Chicago; ARKEN Museum of Contemporary Art di Ishøj, Danimarca; Columbus Museum of Art di Ohio; Museo Jumex di Città del Messico; Hamburger Bahnhof, Nationalgalerie der Gegenwart di Berlino; Leeum, Samsung Museum of Art di Seul; Louisiana Museum of Modern Art di Humlebæk, Danimarca; e Moderna Museet, Stoccolma. Elmgreen & Dragset vivono e lavorano a Berlino.

(come da 2020)

ritratto degli artisti Elmgreen & Dragset

Kehinde Wiley, Go

Dominando l'ampio soffitto della 33rd Street Midblock Entrance Hall, il trittico in vetro dipinto a mano di Kehinde Wiley celebra la vivacità e il virtuosismo dei corpi in movimento su scala monumentale. Go è una rappresentazione esuberante di giovani newyorkesi neri in pose ispirate alla breakdance, lo stile di danza moderna nato nelle strade di New York tra gli anni '60 e '70 tra i giovani afroamericani e latinoamericani. Wiley attinge alla tradizione classica europea dei soffitti affrescati, utilizzando una tecnica di scorcio pronunciata (spesso associata al maestro del XVIII secolo Giovanni Battista Tiepolo) per creare l'impressione di figure che ascendono al cielo. Li cattura a metà gesto, contro nuvole fluttuanti in un cielo azzurro brillante, mentre si lanciano e si contorcono in pose che incarnano la combinazione di precisione, atletismo ed espressività insita in questo stile acrobatico di performance. Wiley affida ai suoi soggetti ruoli tradizionalmente riservati a santi e angeli, raffigurandoli invece come individui unici, vestiti con i loro normali abiti da strada. Questi avatar contemporanei del sublime sono straordinari nelle loro capacità di sfidare la gravità, ma familiari a qualsiasi passeggero della metropolitana; un'immagine di gioia all'incrocio tra epico e intimo. Go estende il linguaggio metaforico della luce e della divinità per rivelare il talento, la bellezza e il potere dei corpi neri. Traducendo l'ambiente urbano in un paesaggio onirico celeste, Wiley comunica uno spirito ottimista di allegria, possibilità e sopravvivenza.

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Negli ultimi due decenni, Wiley ha ottenuto riconoscimenti per i suoi dipinti altamente naturalistici di persone di colore in pose e formati tratti dal canone storico-artistico occidentale. Ha spesso invitato i giovani che incontra nei centri urbani di tutto il mondo a incarnare una posa a loro scelta tra i ritratti di antichi maestri europei, sottolineando le complesse e durature storie sociopolitiche che hanno determinato l'esclusione delle persone di colore da gran parte della storia dell'arte. Negli ultimi anni, Wiley ha ampliato la sua pratica artistica ai generi della statuaria e dei monumenti pubblici, nonché al medium della vetrata. L'opera in tre parti, retroilluminata, risponde sapientemente al contesto architettonico, riecheggiando i lucernari della Moynihan Train Hall e incorporando dettagli delle decorazioni in ferro battuto della facciata dell'edificio nell'elaborata modanatura che incornicia la composizione. Go è la sua prima installazione permanente in vetro, realizzata appositamente per un sito specifico.

Kehinde Wiley (nato nel 1977 a Los Angeles, California; vive e lavora a New York City e Dakar, Senegal)
Go, 2020
Vetrata con cornice in alluminio, modanatura in gesso, struttura in acciaio e pannello luminoso a LED
17'6" L x 55'8" L x 10" P
Commissionato da Empire State Development in collaborazione con Public Art Fund

Foto di installazione

Un trittico di vetrate colorate dai colori vivaci che raffigura giovani neri in pose ispirate alla breakdance, sullo sfondo di nuvole ondeggianti in un cielo azzurro brillante.

dettaglio di un trittico di vetrate colorate dai colori vivaci raffigurante una giovane donna nera in una posa ispirata alla breakdance, sullo sfondo di nuvole ondeggianti in uno splendido...

Kehinde Wiley riconosce con gratitudine Brad Ogbonna, Chelsea Guerdat, David Muller di DCM Fabrication, Dee e Ricky Jackson, Dominick Conetta di DUN-RITE Specialized Carriers, Gabriella Wilks, Janine Cirincione, Jesenia Pineda, Jey Yaro, Jitka e Richard Kanta di SKLO, John Fedoroff, John Thomas, Kylie Corwin, Lya Pouleyy, Malak Lunsford, Rosey Selig-Addiss, Sable Boykin, Sarina Martinez, Sasha Boykin, Sean Kellye Taquane Butler.

Informazioni sull'artista

Kehinde Wiley Vedi profilo

Kehinde Wiley (nato nel 1977 a Los Angeles) è noto soprattutto per i suoi vivaci ritratti di afroamericani e afro-diasporici contemporanei, che sovvertono le gerarchie e le convenzioni della ritrattistica europea e americana. Ha spesso invitato i giovani che incontra nei centri urbani di tutto il mondo a incarnare una posa a loro scelta tra i ritratti di antichi maestri europei, sottolineando le complesse e durature storie sociopolitiche che hanno determinato l'esclusione delle persone di colore da gran parte della storia dell'arte. Negli ultimi anni, Wiley ha ampliato la sua pratica artistica ai generi della statuaria e dei monumenti pubblici, nonché alla tecnica della vetrata. Lavorando con i mezzi della pittura, della scultura e del video, i ritratti di Wiley sfidano e riorientano le narrazioni storico-artistiche, risvegliando questioni complesse che molti preferirebbero rimanere in silenzio. Nel 2018 Wiley è diventato il primo artista nero a dipingere un ritratto ufficiale del Presidente degli Stati Uniti per la Smithsonian National Portrait Gallery; l'ex Presidente degli Stati Uniti Barack Obama ha scelto Wiley per questo onore. Nel 2019, l'artista ha inaugurato la sua prima scultura pubblica di grandi dimensioni a Times Square, New York: un monumento equestre in bronzo che celebra l'eroismo dei giovani neri americani. Nel 2020, Wiley ha ricevuto l'onorificenza francese di Cavaliere dell'Ordine delle Arti e delle Lettere.

Wiley ha presentato mostre personali al Museum of Black Civilizations, Dakar, Senegal (2024); al de Young Museum, San Francisco (2023); alla National Gallery, Londra (2021); al Brooklyn Museum, New York City (2020, 2015); al Seattle Art Museum, Washington (2016); al Petit Palais, Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, Parigi (2016); e al Jewish Museum, New York City (2012). Tra le mostre collettive più importanti si segnalano: Passati intrecciati: 1768-oggi, Royal Academy of Arts, Londra (2024); Giganti: opere d'arte dalla Dean Collection di Swizz Beatz e Alicia Keys, Museo di Brooklyn, New York City (2024); Finzioni di mascolinità: Carpeaux Recast, Il Metropolitan Museum of Art, New York City (2022); I tour dei ritratti di Obama, Art Institute of Chicago (2021, esposta al Brooklyn Museum di New York City e al LACMA di Los Angeles); e ritratti di afroamericani, LACMA, Los Angeles (2021). Le sue opere sono presenti nelle collezioni della National Portrait Gallery, Washington, DC; del Los Angeles County Museum of Art, CA; dell'Hammer Museum, Los Angeles; del Museum of Contemporary Art, Los Angeles; del Metropolitan Museum of Art, New York City; dello Studio Museum di Harlem, New York City; del Jewish Museum, New York City; del Victoria and Albert Museum, Londra; e del Brooklyn Museum, New York City. È il fondatore e presidente di Black Rock Senegal. Wiley vive e lavora a New York City e a Dakar, in Senegal.

(come da 2024)

Informazioni sulle partnership creative

Ampliando la nostra missione principale per presentare mostre dinamiche degli artisti più interessanti del mondo e rendere la cultura accessibile a tutti, Public Art Fund: Partnership creative Porta competenze di pianificazione strategica, curatela, gestione di progetti e comunicazione a importanti istituzioni culturali, aziende e organizzazioni civiche in tutto il mondo. Attraverso queste collaborazioni, Public Art Fund commissiona installazioni permanenti e mostre temporanee in linea con la visione unica dei nostri partner e i parametri specifici di ogni sito, dando vita a nuove opere d'arte che attivano spazi pubblici, creano gruppi di interesse coinvolti e amplificano l'impatto delle iniziative dei nostri partner attraverso il potere dell'arte pubblica.

Stan douglas

Mezzo secolo di Penn Station

Sala del treno di Moynihan

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Elmgreen e Dragset

The Hive

Sala del treno di Moynihan

In vista permanente