Terminal B dell'aeroporto LaGuardia

Decine di colorate e riflettenti sculture in acciaio a forma di palloncino, realizzate dall'artista Jeppe Hein, sono distribuite in tutto il Terminal B, come se fossero state liberate in aria e lasciate fluttuare fino al soffitto sfidando la gravità. Sparsi dietro ogni angolo come una fiabesca scia di briciole di pane, i palloncini brillantemente giocosi di Hein invitano gli spettatori a guardare verso il cielo e ad abbandonarsi al loro senso di meraviglia. A livello del pavimento, le spiritose e bizzarre sculture a forma di panca di Hein reinventano una forma familiare di seduta pubblica, trasformando un oggetto funzionale in un'opera d'arte lirica ed evocativa. Tre panchine rosso acceso si curvano, si attorcigliano e si attorcigliano per formare un irresistibile invito all'espressione spontanea e alla socializzazione. Offrendo un momento di tregua a innumerevoli viaggiatori, le panchine di Hein offrono nuove prospettive su noi stessi, sugli altri e sugli spazi che abbiamo in comune.

Per oltre due decenni, Hein ha creato sculture e installazioni che mettono in discussione il rapporto tradizionale tra opera d'arte e spettatore. Spesso sotto forma di interventi in spazi pubblici, le sue installazioni fondono il concettuale con l'esperienziale e sono attivate dalla partecipazione degli spettatori. Nell'opera di Hein, media apparentemente semplici e familiari – testo, specchi, acqua, pennellate e comuni oggetti utilitari e decorativi – vengono introdotti in contesti inaspettati o dotati di comportamenti inquietanti. Queste ironiche giustapposizioni suscitano reazioni di sorpresa e incanto che ci spingono a considerare nuovi modi di relazionarci con il nostro mondo e con noi stessi. Caratteristiche della pratica di Hein, le due forme di "scultura sociale" installate nel Terminal B sono state concepite con un intento sincero: suscitare gioia, alterare le percezioni, aprire lo spettatore a nuove esperienze e creare le condizioni che favoriscano momenti di empatia e fratellanza nel trambusto di un trafficato snodo di transito. L'estetica raffinata degli oggetti di Hein trae ispirazione dalle tradizioni del Minimalismo e dell'arte concettuale degli anni '1970, ma nonostante la loro semplicità formale, ogni sua opera è realizzata a mano attraverso processi tecnici rigorosi e impegnativi. Hein vive e lavora a Berlino.

Per maggiori informazioni su Jeppe Hein, visita www.jeppehein.net

(nato nel 1974 a Copenaghen, Danimarca)
Tutti i tuoi desideri, 2020
Installazione di 70 palloncini a specchio (acciaio inossidabile rivestito in PVD) e 3 panchine sociali modificate (alluminio verniciato a polvere)
Palloncini: 1'4” h x 11” w x 11” d ciascuno
Panche: A) 2'6” h x 7'7” w x 4'2” d; B) 5' 6” h x 17'8” w x 5'4” d; C) 2'9” h x 5'6” w x 1'4” d
Commissionato da LaGuardia Gateway Partners in collaborazione con Public Art Fund

Jeppe Hein ringrazia sentitamente il suo studio (Stephan Babendererde, Robert Banovic, Lutz Herrmann) e VRH Construction (Rob Carr, Nick Castronova, Kevin Curran, Dean Haussel).

L'artista Sabine Hornig La Guardia Vistas altera la nostra percezione del paesaggio urbano. Il suo collage fotografico trasparente riempie un'ampia facciata in vetro, permettendo alla luce del sole di immergere i visitatori in un caleidoscopico turbinio di colori, immagini e testi mentre si muovono attraverso il Connector. La composizione estremamente dettagliata fonde oltre 1,100 fotografie di New York City in una coppia di paesaggi urbani interconnessi. Gli edifici, raffigurati nelle tonalità del blu crepuscolare, si elevano fino alle cime dei grattacieli capovolti che riflettono il sole dorato del mattino. Il titolo dell'opera si riferisce a Fiorello La Guardia, fondatore dell'aeroporto e sindaco di New York City dal 1934 al 1945. Hornig ha incluso 20 citazioni di e su La Guardia, ricordandoci il potere della leadership visionaria di plasmare il nostro ambiente condiviso.

Nella sua pratica trentennale, Hornig ha combinato l'uso di fotografia, scultura e installazione per produrre immagini e ambienti che immergono lo spettatore in un mondo reinventato. Le sue opere esplorano la tensione tra superficie piana e spazio tridimensionale, spesso trattando materiali architettonici trasparenti come il vetro contemporaneamente come superficie, soggetto e portale. Le composizioni dense di collage di Hornig sovrappongono prospettive fotografiche divergenti per rivelare nuovi territori percettivi e concettuali. Stratificando immagini intrise di significato culturale e politico, esamina le strutture e le storie che continuano a plasmare la nostra esperienza collettiva. Per La Guardia Vistas, la più grande installazione di Hornig fino ad oggi, l'artista ha utilizzato la fotocamera ad altissima risoluzione disponibile in commercio per catturare sia i minimi dettagli architettonici che i momenti effimeri della vita di New York City. Il suo paesaggio urbano reinventato assimila la sua ricerca sulla vita e l'eredità di Fiorello La Guardia in un'unica immagine monumentale che si confronta con le nozioni di tempo, luogo, storia e memoria. Hornig vive e lavora a Berlino.

Per maggiori informazioni su Sabine Hornig, visita

http://www.sabine-hornig.de

(nato nel 1964 a Pforzheim, Germania Ovest)
La Guardia Vistas, 2020
Inchiostro al lattice e vinile montati su vetro
42' altezza x 268' larghezza
Commissionato da LaGuardia Gateway Partners in collaborazione con Public Art Fund

Testi citati per gentile concessione di:

Ronald H. Bayor, Fiorello La Guardia: Etnia, riforma e sviluppo urbano. Hoboken, New Jersey: Wiley, 2018; Alyn Brodskij, Il grande sindaco: Fiorello La Guardia e la creazione della città di New YorkNew York: St. Martin's Press, 2003; Collezione Fiorello H. La Guardia, Archivi La Guardia e Wagner, La Guardia Community College, CUNY, Long Island City, NY; The New York Times Macchina del tempo; Daniela Rossini, Woodrow Wilson e il mito americano in ItaliaCambridge, MA: Harvard University Press, 2008; Mason B. Williams, Città ambiziosa: FDR, La Guardia e la creazione della New York modernaNew York: WW Norton, 2013.

Sabine Hornig ringrazia con gratitudine Arnold Dreyblatt, Markus Hannes, Bettina Hertrampf, Dirk Lebahn, Hilette Lindeque, Mark Pokorny, Martin Rossmann, Annette Überlein, Edye Weissler, ColorX (Serhat Cokuk, Gary Teich), Grieger GmbH (Jörg Lotz, Ute Zeise), Phase One, Heinz Papst, The Municipal Archives New York, The New York Times Archive, The Public Biblioteca, Ronald H. Bayor, Adrian Benepe, Joel Draper, Thomas Kessner, Mason B. Williams e Tanya Bonakdar Gallery New York-Los Angeles.

Il murale a mosaico di Laura Owens considera ogni curva, angolo e piano della più grande parete interna dell'aeroporto, trasformandola in una celebrazione di New York City. Contro un cielo azzurro brillante punteggiato di nuvole, Owens raffigura decine di immagini iconiche in un motivo che evoca il potenziale che New York City evoca nell'immaginario collettivo. Rappresentando le opere d'arte pubbliche storiche della città, i monumenti più preziosi, gli snack più gettonati e le attrazioni quotidiane, il murale include anche molti simboli della vasta rete di trasporti pubblici che li collega. L'opera colossale sintetizza il suo stile pittorico unico con la maestria artigianale della ceramica fatta a mano e il linguaggio visivo della creazione di immagini digitali. Questa composizione dinamica cambia a seconda del nostro punto di vista, poiché immagini riconoscibili viste da lontano diventano astrazioni a griglia quando viste da vicino, dissolvendosi in colori impressionisti e scorci sfocati della nostra città immaginata.

Dalla fine degli anni Novanta, Owens ha adottato un approccio diversificato e sperimentale al medium pittorico, un approccio che abbraccia una vasta gamma di fonti, dall'avanguardia al populista, fino al decorativo. Ha ottenuto riconoscimenti sovvertendo con irriverenza la storia e le convenzioni formali del medium, appropriandosi e ricombinando tecniche e motivi tratti dal canone delle belle arti, dell'arte popolare, della cultura pop e della tecnologia. I dipinti di Owens sfidano spesso i confini tra spazio pittorico e spazio fisico, interagendo con il contesto architettonico. Negli ultimi anni, ha sempre più utilizzato molteplici media in ampie installazioni che esplorano la costruzione e il consumo della cultura visiva contemporanea. I🍕NY è il primo mosaico di piastrelle di Owens, nonché la sua opera più grande fino ad oggi. Avendo vissuto a New York City in vari momenti della sua carriera venticinquennale, l'omaggio iconografico di Owens spazia da ciò che è ampiamente riconoscibile a ciò che è artisticamente significativo, fino a ciò che è personalmente significativo. Owens vive e lavora a Los Angeles.

Per maggiori informazioni su Laura Owens, visita www.owenslaura.com

(nato nel 1970 a Euclid, OH)
I🍕NY, 2020
Piastrelle in ceramica smaltata fatte a mano e stucco
67'10” altezza x 566'3” larghezza x 28'11” profondità
Commissionato da LaGuardia Gateway Partners in collaborazione con Public Art Fund

Laura Owens ringrazia con gratitudine il suo studio (Amy Baumann, Dave Berezin, Elliot Kaufman, Nic Seago Burrier, Ben Carlson), Sadie Coles HQ, Londra (Sadie Coles, Laura Lord), Gavin Brown's enterprise (Gavin Brown, Ivan Guytan), Tania Garbe, BRB Tile/Local 7 NY/NJ (Bill Lardieri, Ed Conners, Chris Burden, Joe Dimauro, Mike Ferrante, Armenio Gomes, Marty Matesic, Leonardo Pazos, Feris Roci, Sebastian Rodriguez Chanquet, Jon Shenefield, Giuseppe Troia, Akini Williams, Akini Williams Jr.), Dry Lay Team (Olga Rudenko, Laura Morrison, JJ Ariosa, Cat Baldwin, AnnaLiisa Ariosa-Benston, Elise Duryee-Browner, Lili Garcia, Katherine Forst, Samuel Kim, Lizzy Myers, Hayley Nichols, Michelle Rich, Amy Ritter, Madelyn Rivera, Sophia Starling), Matthew Au, Fireclay Tile (Eric Edelson, Caitlyn Child, Nick Cordova, Katherine Lee) e The Lenape Center (Hadrien Coumans, Joe Baker).

Questa monumentale scultura dell'artista Sarah Sze evoca lo scorrere del tempo attraverso un'intricata costellazione di fotografie. Centinaia di immagini formano una sfera simile a un miraggio che sembra fluttuare a mezz'aria. Ogni fotografia cattura un'istantanea del cielo sopra New York City, scattata nell'arco di una giornata. Nel complesso, tracciano un viaggio ciclico dal giallo pallido dell'alba al blu brillante della luce del giorno, passando per l'arancione cupo del tramonto e il viola della mezzanotte. Come la Terra, il globo di Sze è fragile e rivela gradualmente qualcosa di più di sé mentre gli giriamo intorno. Più corto del giorno è una meditazione sulla permanenza e la transitorietà che incarna l'essenza della poesia di Emily Dickinson da cui prende il nome. Sze dà forma all'idea espressa nel potente verso della poesia: "Abbiamo superato il sole al tramonto / O meglio, Lui ha superato noi".

Dalla fine degli anni Novanta, Sze ha utilizzato un'ampia varietà di media per esplorare l'intersezione tra informazione, tecnologia, materialità e tempo. Nelle sue sculture, progetta elaborati assemblaggi di oggetti di uso quotidiano tenuti insieme in un delicato equilibrio, come se fossero perennemente sull'orlo della metamorfosi. Le opere di Sze sono uno studio sui contrasti – piano e volume, immobilità e movimento, organizzazione e caos – la cui simultanea opposizione e attrazione creano un senso di tensione magnetica. Sebbene costruite con precisione, le sue installazioni su larga scala esprimono una sensazione organica e cinetica, emergendo come un gesto evocativo attraverso una distesa di spazio. Più corto del giorno è la scultura più grande e strutturalmente complessa di Sze fino ad oggi. L'opera fonde sottilmente l'effimero e l'immutabile, rivelando al contempo le tracce del processo di fabbricazione: le fotografie dai bordi frastagliati e i frammenti numerati di nastro giallo che ne delimitano la posizione sono entrambi resistenti facsimili in metallo verniciato a polvere. In questo modo, la scultura di Sze considera la natura fluida del tempo e funge da contenitore della creazione stessa dell'opera. Sze vive e lavora a New York City.

Per maggiori informazioni su Sarah Sze, visita www.sarahsze.com.

(nato nel 1969 a Boston, MA)
Più corto del giorno, 2020
Alluminio e acciaio verniciati a polvere
48' altezza x 30' larghezza x 30' profondità
Commissionato da LaGuardia Gateway Partners in collaborazione con Public Art Fund

Sarah Sze ringrazia sentitamente il suo studio (Mike Barnett, Joell Baxter, Yu Rim Chung, Christin Graham, Marissa Graziano, Helen Lin), Amuneal (Carson Bohlen, Rob D'Amico, Colin Dees, Josh Kerner, Ray Krenicki, Kevin Schultes) e VRH Construction (Rob Carr, Nick Castronova, Kevin Curran, Dean Haussel).

Ampliando la nostra missione principale per presentare mostre dinamiche degli artisti più interessanti del mondo e rendere la cultura accessibile a tutti, Public Art Fund: Partnership creative Porta competenze di pianificazione strategica, curatela, gestione di progetti e comunicazione a importanti istituzioni culturali, aziende e organizzazioni civiche in tutto il mondo. Attraverso queste collaborazioni, Public Art Fund commissiona installazioni permanenti e mostre temporanee in linea con la visione unica dei nostri partner e i parametri specifici di ogni sito, dando vita a nuove opere d'arte che attivano spazi pubblici, creano gruppi di interesse coinvolti e amplificano l'impatto delle iniziative dei nostri partner attraverso il potere dell'arte pubblica.

Public Art Fund è stato invitato a collaborare con LaGuardia Gateway Partners, sviluppatore e gestore del Terminal B, per formulare e implementare un programma artistico completo per il nuovo edificio. L'obiettivo non era semplicemente quello di collocare opere d'arte esistenti in un aeroporto, ma di commissionare a quattro dei più importanti artisti del mondo la creazione di ambiziose opere site-specific che sarebbero diventate parte integrante della struttura dell'edificio stesso. I quattro artisti – Jeppe Hein, Sabine Hornig, Laura Owens e Sarah Sze – sono stati incoraggiati a ispirarsi alle proprie esperienze di New York City.