Prove per le prove

Katy Pyle
Sneaker Ballez è un corso di danza classica avanzato. La lezione inizia con il supporto di elementi architettonici (e sculture) disponibili che fungono da sbarre, e si muove attraverso spazi pubblici in combinazioni a terra eseguite per alberi e spettatori curiosi. Accompagnata dai nostalgici e imbarazzanti successi queer pop di ieri e di oggi, questa lezione ti invita a concentrarti sul piacere, sulla connessione e sul virtuosismo definito personalmente. La sbarra è influenzata dalla mia insegnante, Janet Panetta. Indossa scarpe da ginnastica flessibili con cui puoi girarti e saltare.
—Katy Pyle

Partecipanti principali
Elia Jones
Josie Bettman
Giulia Antinozzi
Michael Bryan Wang
Lavinia Eloise Bruce

Bio
Katy Pyle è una ballerina, coreografa e insegnante lesbica genderqueer. Pyle danza professionalmente a New York City dal 2002, lavorando tra gli altri con John Jasperse, Jennifer Monson, Faye Driscoll, Ivy Baldwin, Xavier Le Roy e Young Jean Lee. Pyle ha fondato Ballez nel 2011 per promuovere il balletto classico verso un futuro inclusivo, concentrando le esperienze di persone queer, lesbiche, trans e gender non-conforming nella creazione di balletti narrativi su larga scala, lezioni aperte e dibattiti pubblici. Tra i suoi principali balletti: "The Firebird, a Ballez", Danspace Project, 2013, "Sleeping Beauty & the Beast", La Mama, 2016 e "Giselle of Loneliness", The Joyce, 2021. Pyle ha portato Ballez a Princeton, Sarah Lawrence, Yale, Movement Research, CounterPULSE, Bowdoin, Whitman, Beloit, Slippery Rock University, Rutgers, Berea College e Swarthmore. Pyle attualmente insegna tecnica per studenti universitari all'Eugene Lang College e al Marymount Manhattan, e a ballerini professionisti alla Gibney Dance. Ballez.org

Angie Pittman
Soul Line Dancing è il risultato di innumerevoli comunità di persone di colore che creano, condividono, praticano e ballano insieme. Utilizzando principalmente musica R&B, Pittman faciliterà una lezione aperta e guiderà il pubblico attraverso 5-6 diverse Soul Line Dance che ha imparato lungo il percorso. Balliamo insieme per relazionarci gli uni con gli altri e con lo spazio in cui viviamo.
—Angie Pittman

Partecipanti principali
Malcolm-x Betts
Nilo Harris
Gabriella Carmichael
Ariel Lembeck
Lily Bo Shapiro

Bio
Angie Pittman è un'artista, creatrice e insegnante di danza con sede a New York. I suoi lavori sono stati presentati presso The Kitchen, Gibney Dance, BAAD!, Movement Research presso la Judson Church, Triskelion Arts, STooPS, The Domestic Performance Agency, The KnockDown Center, The Invisible Dog (Catch 73), The Chocolate Factory, Danspace Project e Roulette. Pittman ha avuto il piacere di collaborare con A Sef, Jasmine Hearn, Jonathan Gonzalez, Athena Kokoronis e Anita Mullin. Ha conseguito un Master in danza e coreografia presso l'Università dell'Illinois a Urbana-Champaign con una specializzazione in studi afroamericani ed è un'insegnante professionista certificata della tecnica Umfundalai. Il suo lavoro coreografico è stato supportato dalla Foundation for Contemporary Arts Emergency Grant e da residenze attraverso il Tofte Lake Center, Movement Research, New Dance Alliance Black Artists Space to Create e Djerrassi. Il lavoro di Pittman si colloca in uno spazio che indaga il modo in cui il corpo si muove attraverso ballate, groove, scintillio, spirito, spirituals, ascendenza, vulnerabilità e potere. Attualmente è Visiting Assistant Professor di danza al Marymount Manhattan College.

luciana achugar
Pratica del piacere
Questo progetto partecipativo si basa sulla pratica personale di Achugar, sviluppata in anni di danza come metodo per disimparare dalla nostra testa e imparare dal nostro corpo; un metodo di radicale autoaccettazione piuttosto che imporre al nostro corpo nozioni preconcette di essere e/o comportarsi. Attraverso questa pratica, esploriamo modi per scoprire ciò che è già presente (ma forse represso o soppresso/oppresso) in noi stessi e come creare le condizioni affinché si manifesti e appaia da solo. La pratica dell'essere nel piacere è una pratica per disfare il modello gerarchico di incarnazione appreso che è stato programmato in noi e per disfare la vergogna che ne consegue, per portare alla luce un sé più libero, potente, decolonizzato e incivile, più connesso ai nostri istinti, al nostro cuore, al nostro istinto e al nostro sesso, per celebrare l'unione e la connessione con la terra, con noi stessi e con gli altri.
—luciana achugar

Partecipanti principali
Molly Lieber
Michael Mahalchick
Sarah White-Ayón
Oren Barnoy

Bio
Luciana Achugar è una coreografa uruguaiana residente a Brooklyn, cresciuta come artista in stretto dialogo con le comunità di danza contemporanea di New York e dell'Uruguay. Crea opere a New York e in Uruguay dal 1999. Il suo lavoro si concentra sul mondo postcoloniale, alla ricerca di un disfacimento delle attuali strutture di potere dall'interno verso l'esterno. Ha ricevuto due volte il Bessie Award ed è stata candidata per Epilogue. OTRO TEATRO: Vero Amore (2016). Ha ricevuto numerosi riconoscimenti, tra cui la Guggenheim Fellowship, il Creative Capital Grant, il Foundation for Contemporary Arts Grant, i MAP Funds, la Jerome Foundation, l'Alpert Award 2017 e il NYFA Artist Grants. Il suo lavoro più recente e in corso, "PURO TEATRO: A Spell for Utopia", è nato come progetto online su Instagram commissionato da e per il Time-Based Art Festival del Portland Institute of Contemporary Arts nell'autunno del 2020, ed è stato presentato in anteprima come performance dal vivo al Chocolate Factory Theater, su commissione dello Skirball Center for the Performing Arts della NYU, nel novembre 2021. Attualmente è una Doris Duke Fellow degli Stati Uniti per il 2022.

Moriah Evans
I nostri corpi stessi
Lavoreremo con una relazione speculativa con il proprio corpo e con quello degli altri per comprendere ciò che i nostri corpi contengono. I femminismi sono la base per una metodologia di danza che inizia dal profondo degli organi interni del corpo. Lavoreremo con un sistema di percezione-azione attraverso cinque distinte modalità energetiche. Articoleremo il movimento a partire da sensazioni individualizzate che rimangono per sempre sconosciute e perpetuamente soggettive, abbandonando rappresentazioni spesso proiettate sulla superficie del corpo. Come potremmo accedere alle nozioni di scarto all'interno del corpo per espellerle? Sosterremo eventi catartici verso stati di sé e di corpo e poi indagheremo ciò che accade sulla loro scia, ciò che rimane.
—Moriah Evans

Partecipanti principali
Lizzie Feidelson
Kris Lee
João dos Santos Martins
Sarah Beth Percival
Varinia Canto Vila

BIO
Il lavoro di Moriah Evans considera la danza e la coreografia come un processo speculativo. Sviluppando il movimento a partire dai mondi invisibili, ma percepiti, della materialità corporea e dello spazio interiore affettivo, i progetti di Evans mettono in discussione le gerarchie predefinite tra carne, corpo, sé e soggetto. Attingendo sia alle critiche femministe della visualità sia alle pratiche coreografiche somatiche, il lavoro di Evans espande una relazione con la danza oltre il visibile, verso diversi modi di percepire noi stessi e le nostre relazioni reciproche. Tra i suoi lavori recenti figurano: RESTI (Beach Sessions, 2021) BASTARDOS: Siamo tutti figli illegittimi (NYU Skirball, New York City, 2019); Configurazione (La cucina, 2018); Capire (SculptureCenter, New York City, 2018); Sii la mia musa (Pace Live, New York City, 2021; Hirshhorn Museum, Washington, DC, 2018; Villa Empain, Bruxelles, 2016); Ballo sociale 9–12: Incontro (Progetto Danspace, New York City, 2015); Danza sociale 1–8: Indice (ISSUE Project Room, New York City, 2015); Un'altra prestazione (Danspace Project, New York City, 2013); e Fuori e dentro (8/8): COSE (Theatre de l'Usine, Ginevra, 2012). Nel 2011 Evans ha avviato L'Ufficio per il futuro della coreografia—un collettivo creato per indagare le performance partecipative e i sistemi coreografici. Evans è stato caporedattore del Rivista di ricerca sul movimento e sulle prestazioni (2013-20), consulente curatoriale per il Tanzkongress (2019) e dal 2016 cocuratrice/facilitatrice di danza e processo (The Kitchen). Ha ricevuto il Foundation for Contemporary Art Individual Artist Awardee, una MacDowell Fellowship e una Guggenheim Fellowship 2022 in Coreografia.

David Watson
Pratica, pratica
Una sequenza di risposte musicali improvvisate in tutto il parco che ruotano attorno prova e l'area del parco circostante. Queste risposte sono guidate dai luoghi e dall'esplorazione delle loro proprietà sonore. Ispirate dall'idea di "prova" come forma culturale e dalla sua differenza con la performance, con i suoi concetti intrinseci di pubblico e privato, queste risposte sono guidate dalle sculture di Wieser e dalle storie personali dei musicisti.
—David Watson

Partecipanti principali
Marcia Bassett – sintetizzatore analogico
Daniel Carter – sassofono contralto
Marcus Cummins – sassofono soprano
Ian Douglas-Moore – chitarra, elettronica
Lathan Hardy – sassofono
Sam Kulik – tuba
Talice Lee – violino
Samara Lubelski – violino
Ryan Sawyer – batteria
Kevin Shea – batteria
David Watson – cornamuse

Bio
David Watson è un musicista sperimentale, figura fondamentale della scena newyorkese fin dagli anni '1980. La sua specialità è la nuova musica per cornamusa. Ha costantemente realizzato musica sperimentale come opera pubblica (anche per bande di ottoni e cornamuse) per esplorare i luoghi attraverso il suono. Il New York Times descritto "Rinchiuso", un pezzo che ha realizzato con il coreografo Jamar Roberts, definendolo "una delle risposte artistiche più potenti alla crisi del Covid-19". Ha organizzato e curato musica sperimentale per un periodo di 40 anni.     https://davidwatsonmusic.net